A. 爵士樂到底是怎麼樣的
在爵士樂的曲調中，除了從歐洲傳統音樂、白人的民謠和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有個性的是「布魯斯音階」（關於這種音階的結構，我們將在有關布魯斯的部分專門介紹），而爵士樂的和聲可以說是完全建立在傳統和聲的基礎之上，只是更加自由地使用各種變化和弦，其中主要的與眾不同之處，也是由布魯斯和弦帶來的。
爵士樂在使用的樂器和演奏方法上極有特色，完全不同於傳統樂隊。自「爵士樂時代」以來，薩克斯管成為銷售量最大的樂器之一；長號能夠奏出其他銅管樂器做不到的、滑稽的或是怪誕的滑音，因而在爵士樂隊中大出風頭；小號也是爵士樂手偏愛的樂器，這種樂器加上不同的弱音器所產生的新奇的音色以及最高音區的幾個音幾乎成了爵士樂獨有的音色特徵；鋼琴、班卓琴、吉他以及後來出現的電吉他則以其打擊式的有力音響和演奏和弦的能力而占據重要地位。相反，在傳統樂隊中最重要的弦樂器（小提琴、中提琴、大提琴）的地位相對次要一些；圓號的濃郁音色在管弦樂隊中是很迷人的，但是對於爵士樂隊來說，它的氣質太溫順了，幾乎無人使用。在管弦樂隊中，每件樂器在音色和音量的控制上都盡量溶入整體的音響之中，在爵士樂隊中卻恰恰相反，樂手們竭力使每一件樂器都「站起來」。
樂隊的編制很靈活，最基本的是兩個部分——節奏組與旋律組。在早期的爵士樂隊中，節奏組由低音號、班卓琴和鼓組成，後來，低音號和班卓琴逐漸被低音提琴（倍司）和吉他所取代，鋼琴也加入進來。在30年代，興起一種舞曲樂隊，當時稱為「大樂隊」，它有三部分組成：節奏組、銅管組和木管組。節奏組使用的樂器仍然是低音提琴、吉他、鋼琴和鼓；銅管組常見的編制是三支小號和兩支長號，但這個數目並不固定；木管組通常由四五支薩克斯管組成，每個人都兼吹單簧管或是別的木管樂器，如果編制是五支薩克斯管，一般是兩支中音、兩支次中音、一支上低音。還有一種商業性的（有時也稱為「甜美型」、「旅館型」等等）的樂隊，編制與「大樂隊」差不多，但薩克斯管往往全部用次中音的，木管組會較多地使用其它的樂器（如長笛、雙簧管），有時還加上三四個小提琴，在商品錄音帶中經常可以聽到這類樂隊的音響。
與傳統音樂比較而言，爵士樂的另一大特徵是它的發音方法和音色，無論是樂器還是人聲，這些特徵都足以使人們絕不會將它們與任何傳統音樂的音色混淆。這些特殊之處大多來源於用樂器或人聲對美洲黑人民歌的模仿。如果我們有機會聽到真正的黑人田間歌曲和靈歌，就會發現那些由粗嘎到圓滑、由窒悶到響亮、由刺耳到柔美、由野蠻到抒情的大幅度的變化是多麼地富有特色、動人心魄。而在爵士樂中，更加入了非歌唱的吼聲、高叫和呻吟，突出了這種感覺。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特異效果的重要手段，在這些技巧中最常用的是不同於傳統觀念的顫音。我們知道，所謂顫音是音高（有時也可能是力度）的有規律的變化造成的；比如小提琴上的揉弦，就是利用這種變化而產生富有生命力的音響效果。爵士樂中的顫音是有變化的，變化的方向一般是幅度由窄到寬，速度由慢到快，而且常常在一個音臨近結束時增加抖動的幅度和速度，更加強了這種技巧的表現力。同時，在一個音開始時，爵士樂手們會從下向上滑到預定的音高，在結束時，又從原來的音高滑下來。所有這些變化都是無法用樂譜來詳細記錄的，有經驗的爵士樂手都熟練地掌握了這一類的方法、尤其是這種觀念，他們可以根據不同的旋律或伴奏音型將這些效果「製造」出來。因此可以這樣說：由於即興的傳統和技巧的個人發揮，爵士樂是由作曲家和樂手共同創造的。受過傳統教育的音樂家之所以很難表演爵士樂，就是因為他們沒有培養出這樣的特殊的音樂觀念。如果我們細心地比較一下真正的民間歌手和受過正規訓練的歌手演唱同一首民歌的差別，對此中的含義就會有一個更直觀的概念。
從爵士樂誕生之初，它就吸引了眾多的轉業作曲家。1920年，美國指揮家保羅·懷特曼組織了一支著名的樂隊，將改編的爵士樂作品帶進了音樂廳。這種新潮流引起了許多「嚴肅」的爵士樂愛好者的激烈反對，然而，正是從這以後，爵士樂在美國和歐洲家喻戶曉，受到廣泛的歡迎。格什溫的《藍色狂想曲》在這時誕生，為這部作品配器的人就是懷特曼樂隊的作曲家格羅菲。按照手稿上的記錄，寫這部作品只用了三個星期，演出後幾乎是立即引起轟動。歐洲作曲家也有許多以爵士樂為基礎或是受爵士樂影響的作品，例如：德彪西的鋼琴曲《丑黑怪步態舞》（1908）、《游吟詩人》（1910）、《怪人拉維納將軍》（1910）；拉威爾的小提琴奏鳴曲中的慢樂章（布魯斯）；斯特拉文斯基的《11件獨奏樂器的雷格泰姆》（1919）、《士兵的故事》（1918）、《黑木協奏曲》；欣德米特的《室內樂第一號》（作品24，無調性）和鋼琴組曲（1922）。
詳細介紹http://bk..com/view/1429.htm
B. 爵士樂聽起來感覺是怎麼樣的
我本人比較喜歡聽爵士樂，就說一說我聽爵士樂的感受吧
每次聽爵士樂時給我放鬆，懶惰的感覺（我這人很懶）腦里會時不時想起一些場景什麼的
而且爵士給我的感覺就是隨意，放盪不羈，爵士樂是有多個樂器伴奏，每個樂器都展現不同的音色，比較隨意
我個人很喜歡自由自在，爵士樂給人輕松，舒服。並且爵士代表自由
可能有些人覺得爵士有情調，確實在餐廳裡面的爵士樂比較會有情調，會有種優雅的氣氛，不過絕大部分爵士不會有些幾分的情調，例如渡邉武明的（midstream jam），電子爵士（bAd Companyz）等
這是我對爵士樂的感覺，對你有所幫助
C. 爵士怎麼樣
以前擁有斯克霍頓和馬龍時厲害。現在不行。 歷史從未獲得總冠軍。謝謝。求採納。
D. 什麼樣的音樂叫爵士
現在有四種說法比較流行闡述Jazz這個詞語從何而來。
第一種說法，Jazz一詞來自當時在密西西比河流域一位家喻戶曉的黑人流浪音樂家，他的名字叫做爵士波·布朗。和所有的黑人流浪音樂家一樣，布朗常年在這條河的上下游巡迴演出，特別是到黑人聚居地的餐館，酒店和咖啡館里演出，他的演奏十分精彩，每次總會得到一片叫好聲，看到高潮處，觀眾會大聲叫喊：再來一個，爵士波，再來一個，爵士！就這樣，爵士波·布朗的名字成為了他所演奏的新音樂的代名詞。
第二種說法，爵士這個詞由一位海報畫家首先使用。1910年前後，這位海報畫家為黑人音樂家波塞·爵姆斯樂隊創作了一張海報，上書「爵姆斯樂隊登台演出，節目精彩請勿錯過」的廣告詞。爵姆斯的演奏現場氣氛熱烈，演員自由奔放，觀眾把他們的音樂叫做「爵斯」音樂，最後以訛傳訛，變成了「爵士」。
第三種說法，在20世紀初，有人撰文指出「爵士」一詞，是由著名的軍樂隊指揮，早期爵士樂隊人物詹姆斯·尤羅普從「萊士」一詞轉化而來，而「萊士」是1905年前後在紐約演出的一個黑人管樂隊的名字，可是這種說法立刻被尤羅普自己予以否認，他當眾辟謠說自己沒有說過這種話！
第四種說法，「爵士」一詞，根據一些語言學家的研究，起源於美國黑人的俚語，帶有「熱情」、「放盪」之類的含義，在許多時候，它更被用作形容男女歡娛時候的一種動作形容詞，有專家甚至舉出這種音樂一開始就和斯托里村這樣的煙花之地密不可分（爵士一開始就是在妓院附近演奏的），可以來證明語言學家觀點的正確性。這樣的說法確有其道理，但也有很多爵士樂迷不願意去承認。不過從我個人的觀點，很遺憾我同意這個觀點，因為很多音樂的名詞都與性有關，比如Funk（芬克）一詞和Fuck一詞有淵源；而Grooving樂風則更與性有關了，因為它本身就是一種動作；象90年代流行起來的舞曲種類Hip-Hop也是如此。
那麼Jazz到底是什麼樣的音樂呢？有一位爵士愛好者John曾經這樣說：聽起來澀澀的，怪怪的，動靜小的，彷彿不到音準的，帶拐彎的，就是爵士了。我的定義是，Jazz是Blues和Ragtime結合而來的一種音樂形式，出現於20世紀初的時候，多使用切分音符、半音和即興演奏方式，經過與各種音樂的良性結合後形成了一個多種不同風格的即興音樂群組。
讓我用最簡單的方法解釋一下切分音符。音樂都是由小節組成的，有的小節是2拍，比如進行曲和波爾卡；有的是3拍，比如圓舞曲；有的是4拍，比如大部分的流行音樂和爵士音樂；也有5拍、6拍等等的音樂。每一拍實際上可以拆分成兩個半拍，如果「一個全拍+一個半拍+一個全拍」就構成了一個典型的切分音符，大家可以嘗試自己哼一下。當然切分的種類很多，我舉的只是其中一種而已。
半音是什麼呢？大家知道1、2、3、4、5、6、7七個音符，其中3和4之間、7和1之間是半音，而其他相鄰音符之間都是全音，那麼全音也可以插一個半音了。比如升1，也就是降2，就是一個半音。表示方式在簡譜里就是#1或者b2。當然還會有#2(b3)，#4(b5)，#5(b6)，#6(b7)。Jazz音樂相當多地運用了半音資源，而在流行音樂里卻很少去使用。
至於即興方式，就比較簡單了。因為一般的Jazz是有一部分事先安排好的樂句，另一部分則是現場即興演奏的；早期的Jazz因為都是黑人在演奏，他們更是沒有記譜的習慣，在所有聽眾眼裡，真正能發揮即興演奏技巧的人才是最厲害的演奏家。換句話說，連樂師自己也不知道他將演奏些什麼出來。所以，Jazz是一種感性的音樂是用心靈去聽而不是純粹用耳朵的。
E. 義大利原瓶原裝進口紅酒爵士皇多少錢
我在北京四星級酒店也喝到過爵士皇葡萄酒，具說這款酒在義大利當地很有名，酒庄老闆很牛，故這款紅酒義大利等級雖低但品質很高，除去開瓶費，好像要360多。
F. 日本在流行文化（音樂和藝術）方面，學習法國較多還是義大利較多
說到底搞得都是美國那一套。
日本的生活節奏，工業模式，根本就支撐不起一個 往好了說是浪漫，往壞了說是散漫的生活習慣。
沒有了相應的生活，所謂文化也就是一個空殼，而美國，說實話也不過是同樣的空殼，只不過在這個空殼的基礎上又有了長久的，和一定獨立的發展，以至於形成了自己的東西……日本說白了是在照搬美國……
藝術我不了解，但是當代藝術（美術）法國和義大利也就那麼回事，倒是西班牙曾一家獨大過。總之，當代藝術（也就是那些偏向行為，抽象、表現主義等等等等 的）到現在各地都還是小眾，各國間的藝術家聯系很緊密，並沒有足夠明顯的國家區別……
至於你說現代藝術，也就是文藝復興開始，到上個世紀初這段時間的話……法國的代表也就是洛可可藝術了，但是文藝復興啊，巴洛克啊啊什麼的，哪怕畫家不是義大利人，但是因為教宗的關系最後藝術的中心都是在義大利。
不過這些全都是老一套的東西，根本稱不上流行文化，這些文化也沒有機會影響現代的日本藝術
音樂：日本的音樂主要是爵士樂，尤其是bossa nova。然後廣大流行樂則是流行搖滾。
說到底，這些風格都是誕生於美國的，然後被日本吸收、改進、融合自己的東西……
所以說白了，還是和法國、義大利沒什麼關系
G. 義大利人喜歡什麼風格的音樂
義大利人的性格熱情豪放，喜歡歌唱，義大利的音樂有著悠久的傳統，也是美聲唱法的發源地。義大利民歌美麗動人，豐富多彩，按地區可分為南部、北部、中部和撒丁地區。南部的民歌特點是曲調清晰，採用小調式，節奏自由，曲調高亢。北部曲調以三和弦的和弦音為主，調式為大調和小調，曲調華麗而富於裝飾性，常常有加復調的合唱，節奏型嚴格，多為分節歌形式。中部地區的民歌曲調華麗，富於裝飾，節奏有嚴格的和自由的兩種，撒丁地區的民歌有復雜的多聲部結構的四重唱，歌唱以領唱開始，其它聲部只唱襯詞，歌手嗓音深沉，曲調華麗，多裝飾音，近似西班牙和阿拉伯風格。義大利民歌的種類有：船歌、戀歌、牧歌、敘事歌、情歌、小夜曲、飲酒歌等，義大利民歌流利生動，極富歌唱性和浪漫色彩。作品賞析1、《桑塔•露琪亞》這是一首著名的義大利「船歌」。船歌是一種聲樂體裁，在義大利各地都有。《桑塔•露琪亞》是一首由義大利作曲家科特勞按民族風格創作的歌曲，這首歌採用了3/8拍的節奏，突出了船歌的特點，給人以一種水面上起伏晃動的感覺。歌曲採用了大調式音階，用分節歌形式寫成。這首歌配有伴奏，適合於用吉它伴奏，傳說桑塔•露琪亞是一個女神的名字，她是美麗幸福的象徵。桑塔•露琪亞是首愛情歌曲，歌曲表達了人們熱愛生活和呼喚愛情的主題。這首歌的節奏充滿活力，旋律優美婉轉，歌調和唱詞結合緊密，是一首美麗動人的歌曲。它受到世界各國聽眾的喜愛，也是男高音歌者喜歡的曲目之一，可謂「雅俗共賞」。2、《重歸蘇蓮托》這支歌不僅是一首著名的義大利民歌，也是男高音歌者最喜歡演唱的獨唱曲之一。其實這首歌是由義大利人詹巴第斯塔•德•庫爾蒂斯、埃爾內斯托•德•庫爾蒂斯兄弟倆創作的，弟弟埃爾內斯托•德•庫爾蒂斯曾寫了很多拿坡里歌曲，《重歸蘇蓮托》是最著名的一首。拿坡里是個海濱城市，游覽勝地蘇蓮托距此不遠。這里風景秀麗，氣候宜人，山坡上長滿果樹，每逢秋季，果實裡面散發著誘人的芳香。許多建築都建在海邊的懸崖峭壁上，景觀奇特。蘇蓮托還是「文藝復興」時期義大利著名詩人塔索的故鄉，因此世界上許多名人都到過此處。《重歸蘇蓮托》這首歌屬拿坡里船歌體裁，採用3/4拍節奏，節奏稍慢，歌詞清新優雅，這首歌採用了大調式和小調式交替，第一部分從第1至第8小節為E小調，旋律優美柔和，第二部分為E大調，旋律也較明亮開放，從21小節處運用了調式的交替，使旋律的表現力豐富，歌曲的最後部分，結束在E大調上。3、《我的太陽》這是義大利19世紀作曲家卡普阿創作的歌曲，最初是在拿坡里民歌節上演出的，具有濃郁的拿坡里民歌風格，歌的旋律優美華麗，情緒奔放熱情，加之類似探戈的伴奏音型的烘托，十分迷人，這首歌為2/4拍，大調式音階，兩段體寫成，1至16小節為第一段，17至34小節為第二段。歌曲的第一段旋律在中低聲區進行，曲調柔和宛轉，贊美了輝煌的陽光，格調清晰。第二段的旋律高亢明亮情緒熱情激動，與第一段對比強烈，歌中把愛人比喻成太陽，並以此來抒發內心的情懷。4、《啊！朋友》這是一首我國人民十分熟悉的歌曲，由於它出現在南斯拉夫電影《橋》中，有人誤認為它是南斯拉夫民歌，實際上它是一首義大利民歌，南斯拉夫電影《橋》描寫了第二世界大戰中，南斯拉夫游擊隊在反法西斯斗爭中戰斗生活的內容，是我國觀眾十分喜愛的影片，電影《橋》的插曲《啊！朋友》也在我國廣泛傳唱。這首歌為2/4拍，弱起音型的節奏生動富有動力感，准確地反映出遊擊隊機智勇敢，堅定樂觀的形象，旋律舒展流利，質朴感人，由於使用了小調性的音階，音調略帶有些傷感的情調。