中國的寫意怎麼解釋

1. 如何理解中國傳統藝術的寫意特徵

這個問題……我試試粗淺的將自己的理解表達出來，字多勿怪。

理解寫意，首先要理解粗筆與細筆（寫意與工筆）之間的區別。單純的去談其中的一種，是茫然沒有比對的。

工筆講究的以線勾形，類形而艷色，要求的是精細密整，以純粹的視覺角度去表現一種藝術美感。但由於其較長的繪制時間，相比而言更像是一種類似匠人般投入大量時間的水磨工夫，更甚者在於其過度的投入精力，所以頗為熬人。

而寫意，無論是半工半寫的小寫意，還是粗狂潑墨的大寫意，其本質與工筆的最大區別，就是在於意。在這里，對於寫意中意的理解有三，心意筆意畫意。

心意，講究的是作者創作時自身投入的情感，也就是意抒於形，單純從筆法上去觀看，可以逐漸看出作者在繪作時那種一氣呵成的快感。由此感受作者想要給予觀者的創作慾望和心情。而工筆則由於之前提過的時間問題，所以並不能很好的表達渲染創作者的情感意圖。很多時候看工筆，只是單純的去享受一種精緻的筆法和細膩的暈染，以及整潔干凈的畫面，當然還有艷麗的色彩這些東西。

筆意，工筆用筆大多是中鋒或小毫，對於運筆只講究工整整潔。但作為寫意，尤其是大寫意，對於筆的使用純粹是隨心所欲，收發自如。那麼如果嘗試用過毛筆，以茵染來說，會發現墨漬的暈染是很需要火候的，單純的干筆或濕筆的組合，或者像工筆那樣的水色趕開顏色，並不能很好的表達運筆所能體現的筆力和筆趣，那麼談筆意自然是殘缺蒼白的。

畫意，指的是畫中或人物或山水或花鳥所帶來的情趣，譬如魚蝦相鬥、鍾馗捉鬼、遠近成景的這些妙趣。直白些講就是畫活，將畫中所表現的一切組構成一個完整的可以相互關聯的、甚至於可以令人回味的一幅場景，也就是一靜不如一動的道理。當然，關於這句話經常被人理解為工筆不如寫意……因為很多時候，工筆的作者由於過度投入對形的講究，而忽略了畫的活性，久看無味，不如寫意百看百味的感覺。
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上述這些單純就理論而言是蒼白的，因為寫意對形的脫離，所以有了小寫意，也因為工筆對形的拘泥，所以有了小寫意。那麼這些都是為了更好的體現作者自身的創作視角和意圖。

但世事無絕對，不能說寫意就沒有顏色的躍動，諸如墨分五彩色子斑斕的追求一直都是存在的。而工筆也有脫形隨動來求取形神兼備的藝術追求。

而我剛才所說的這些，都是一些粗淺的基礎理解罷了，還是個人性質的。

2. 寫意在文學詳細的解釋

中國畫畫法上可以分為工筆、水墨、寫意和半工半寫。
寫意畫俗稱"粗筆"。要求通過簡練概括的筆墨，著重描繪物象的意態神韻，精神內涵，而忽略所描寫對象的外貌形態。一般認為，寫意畫的創始人是徐熙，後人評倫他的畫落筆縱橫，意不在似，是第一個將寫意畫法載於畫史的人。寫意畫又可分為小寫意和大寫意。小寫意多結合一些工筆的畫法，工寫結合，如南宋法常的花卉畫；大寫意則一路狂寫，輕松灑脫， 如南宋梁楷的人物、"八大"的禽鳥、石濤的山水和近代的吳昌碩、齊白石等人的作品，筆墨酣暢，將寫意畫發揮到極致.

3. 如何理解中國傳統文化的寫意特徵

理解寫意，首先要理解粗筆與細筆（寫意與工筆）之間的區別。單純的去談其中的一種，是茫然沒有比對的。

工筆講究的以線勾形，類形而艷色，要求的是精細密整，以純粹的視覺角度去表現一種藝術美感。但由於其較長的繪制時間，相比而言更像是一種類似匠人般投入大量時間的水磨工夫，更甚者在於其過度的投入精力，所以頗為熬人。

而寫意，無論是半工半寫的小寫意，還是粗狂潑墨的大寫意，其本質與工筆的最大區別，就是在於意。在這里，對於寫意中意的理解有三，心意筆意畫意。

心意，講究的是作者創作時自身投入的情感，也就是意抒於形，單純從筆法上去觀看，可以逐漸看出作者在繪作時那種一氣呵成的快感。由此感受作者想要給予觀者的創作慾望和心情。而工筆則由於之前提過的時間問題，所以並不能很好的表達渲染創作者的情感意圖。很多時候看工筆，只是單純的去享受一種精緻的筆法和細膩的暈染，以及整潔干凈的畫面，當然還有艷麗的色彩這些東西。

筆意，工筆用筆大多是中鋒或小毫，對於運筆只講究工整整潔。但作為寫意，尤其是大寫意，對於筆的使用純粹是隨心所欲，收發自如。那麼如果嘗試用過毛筆，以茵染來說，會發現墨漬的暈染是很需要火候的，單純的干筆或濕筆的組合，或者像工筆那樣的水色趕開顏色，並不能很好的表達運筆所能體現的筆力和筆趣，那麼談筆意自然是殘缺蒼白的。

畫意，指的是畫中或人物或山水或花鳥所帶來的情趣，譬如魚蝦相鬥、鍾馗捉鬼、遠近成景的這些妙趣。直白些講就是畫活，將畫中所表現的一切組構成一個完整的可以相互關聯的、甚至於可以令人回味的一幅場景，也就是一靜不如一動的道理。當然，關於這句話經常被人理解為工筆不如寫意……因為很多時候，工筆的作者由於過度投入對形的講究，而忽略了畫的活性，久看無味，不如寫意百看百味的感覺。

上述這些單純就理論而言是蒼白的，因為寫意對形的脫離，所以有了小寫意，也因為工筆對形的拘泥，所以有了小寫意。那麼這些都是為了更好的體現作者自身的創作視角和意圖。

但世事無絕對，不能說寫意就沒有顏色的躍動，諸如墨分五彩色子斑斕的追求一直都是存在的。而工筆也有脫形隨動來求取形神兼備的藝術追求。

4. 中國寫意畫的特點是什麼中國寫意畫分哪幾

中國寫意畫是特指以毛筆在生宣紙（任何的基材）上表達作者心境與繪畫技法的表現。寫意顧名思義乃畫其意，不求其實，而是介於似與不似之間。寫意可以分為大寫意和小寫意兩種。

下面兩種是大寫意

5. 何謂中國畫的寫意精神

「寫意精神」是繪畫藝術自由表現和情感抒發的一種內在沖動和表現形式。中國的寫意畫能在世界藝術之林經久不衰，是因為它始終遵循主客觀的統一，對自由的追求恰到好處，又不摒棄客觀的制約，這和中國的人文關懷、中庸思想有關。我們說的「寫意」絕不是寫我們腦子里完全憑空生發之「意」，而是寫「實」所引發之「意」，寫「實」之意趣。「寫意」要在主客觀之間找到一個適合自己個性審美的「度」，這個「度」就是畫家自己的個性與風格。
從整個世界范疇來看，中國水墨畫是最具有「寫意精神」的，且取得了很高的成就，繼八大山人、黃賓虹、揚州八怪、石濤等寫意大師之後，仍然能穩步向前，這與中國的傳統哲學有著密切的關系。「寫意精神」的實質就是在制約中張揚自由表現，強調主客觀的辯證統一。離開鮮活的客觀世界制約，中國繪畫可能會無所依據，也就成了無本之木。
「寫意」的本質到底是什麼?難道絕對的自由就是「寫意」的本質嗎?西方現代主義把這個問題抬到一個高度，他們認為畫家的絕對自由至高無上。但是，西方現代主義走過一百年後，人們總結它的得失：它所強調的那種個人「恣情縱意」的絕對自由精神，是否達到了我們追求的那種「寫意精神」的典範高度?完全沒有。西方現代主義畫家那完全擺脫客觀因素制約的自我張揚，得到的只是表面的自由，並沒有使人類繪畫藝術得到提升，反而更加低迷。實踐告訴我們：「寫意精神」的本質不單是自由，而是自由加制約，真情流露，有感而發，是主客觀的辯證統一。只有遵循這個藝術規律，我們才有可能進入藝術表現的自由境界。
眾所周知，西方美術也有很多繪畫作品具有「寫意」成分，歐洲繪畫開始從「形而上」造型向「辯證造型」自由過渡，到印象派繪畫，後印象主義時期，畫家的自由表現精神有了更廣闊的空間，發展到現代主義，畫家不再平衡地表現主客觀，而是無限誇大自由，逐漸削弱了客觀因素制約的滋養與磨礪，繪畫內容也就越來越蒼白空泛。但是，不管怎樣，西方繪畫在內在精神上也是追求「寫意」的，只不過他們沒有明確的叫法而已。「寫意」這個詞是中國美術理論獨有的，但「寫意」的內容和精神卻是所有繪畫普遍存在的。
以上所述，從世界繪畫大的范圍中去探討，對繪畫的「寫意精神」有更多的思考，加深對其本質的認識，應該有更高的學術起點和更寬的學術視野。這樣我們才能對繪畫「寫意精神」的哲學本質有更深刻的認識，對中國水墨畫「寫意精神」也會有更透徹的理解。
當下，中國畫家要有寬廣的胸懷，在自尊、自信、自強發展自己繪畫藝術的同時，也要認識到中國繪畫的規律。任何繪畫都不是完全與客觀世界隔絕的封閉之物，它在本質上是人類追求自由，歌頌真善美的一種變現方式，只有全面認識問題，把中國繪畫的獨特表現規律放到世界繪畫(人類繪畫)的普遍規律中去比較，研究，發現，才能更好地認識自己，發展自己。

6. 什麼是中國寫意畫

寫意畫（freehand brush work）即是用簡練的筆法描繪景物。寫意畫多畫在生宣上，縱筆揮灑，墨彩飛揚，較工筆畫更能體現所描繪景物的神韻，也更能直接地抒發作者的感情。用中鋒側鋒逆鋒來表達。

寫意畫是融詩、書畫 、印為一體的藝術形式。

寫意畫是在長期的藝術實踐中逐步形成的。其中文人參與繪畫，對寫意畫的形成和發展起了積極的作用。相傳唐代王維因其詩、畫俱佳，故後人稱他的畫為"畫中有詩，詩中有畫"，他"一變勾斫之法"，創造了"水墨淡，筆意清潤"的破墨山水。五代徐熙先用墨色寫花的枝葉蕊萼，然後略施淡彩，開創了徐體"落墨法"。之後宋代文同興"四君子"畫風，明代林良開「院體」寫意之新格，明代沈周善用濃墨淺色，陳白陽重寫實的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韻。經過長期的藝術實踐，寫意畫代已進入全盛時期。經八大山人,石濤,李鱓,吳昌碩,齊白石、張大千,潘天壽,汪亞塵的弟子汪德祖,安平義君等並,

南山樂山寫意山水畫

李苦禪,朱宣咸,李可染,范曾等發揚光大，如今寫意畫已是影響最大、流傳最廣的畫法。

寫意畫主張神似。董其昌有論：「畫山水唯寫意水墨最妙。何也？形質畢肖，則無氣韻；彩色異具，則無筆法。」明代徐渭題畫詩也談到：「不求形似求生韻，根據皆吾五指裁。」

寫意畫用意第一。當代書畫家南山樂山認為：「李太白有詩雲：雁引愁心去，山銜好月來。意境極妙。一個引去加上一個銜來，用意極其飽滿。畫面張力足矣。是故，因無萬里之心，故無萬里之畫。是為用意。夫寫意者，無意而寫何為？故用意第一。故曰筆不到意到。筆斷意連，意斷神連。嘗聞米南宮用筆八面出鋒；八極拳曰，拳打八方極遠之地。其理一也。故此，其繪畫的內涵更注重文以載道、遺形寫神，其形式上更講究個性的筆情墨趣、詩書畫印的配合。」

參考----網路·寫意畫

7. 到底什麼是中國畫的寫意

簡單點說工筆就是細致寫實。 亦稱「細筆」。與」寫意」對稱。中國畫技法名。屬於工整細致一類密體的畫法。用細致的筆法製作，工筆畫著重線條美，一絲不苟，是工筆畫的特色。如宋代的院體畫，明代仇英的人物畫，清代沈銓的花鳥走獸畫等。工筆畫的技法有，描，分，染，罩， 所謂描指的是白描，畫者分別用濃磨，淡磨瞄出底稿，分是指用磨色上色，用清水分蘊開來，表現出畫面的層次，染和分是一個意思，只不過用的不再是磨色，而用彩色來分蘊畫面，罩色指的是整體上色，比如整片葉子上的綠色。 寫意 俗稱「粗筆」。與「工筆」對稱。中國畫技法名。通過簡練放縱的筆致著重表現描繪對象的意態風神的畫法。 屬於簡略一類的畫法。要求通過簡練概括的筆墨，著重描繪物象的意態神韻，故名。如南宋梁楷、法常，明代陳淳、徐渭，清初朱耷等，均擅長此法。清代惲壽平說：「宋人謂能到古人不用心處，又曰寫意畫。兩語最微，而又最能誤人，不知如何用心，方到古人不用心處；不知如何用意，乃為寫意。」宋代韓拙說：「用筆有簡易而意全者，有巧密而精細者。」前者乃指「寫意」。 在粵語中，有自由自在，無拘無束之意。

8. 中國畫的寫意是指什麼

中國畫的構圖、筆法、色彩有別於西畫，有自己獨特的語言。它的術語叫做「寫」，寫形重在寫意，寫意的至高境界是傳神，因此，「神韻」就成為中國畫的法寶。

9. 解釋寫意

中國畫可分為工筆、寫意和兼工帶寫三種形式。工筆就是用畫筆工整細致，敷色層層渲染，細節明徹入微，用極其細膩的筆觸描繪物象，故稱「工筆」。而寫意呢？相對「工筆」而言，用豪放簡練的筆墨描繪物象的形神，抒發作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少勝多的含蓄意境，落筆要准確，運筆要熟練，要能得心應手，意到筆到。兼工帶寫的形式則是把工筆和寫意這兩種方法進行綜合的運用。

中國畫一般特點

要想簡明地用幾句話回答以上的問題並不容易。傳統的中國畫具有悠久的歷史，適應中國的文化土壤而生根開花，在立意、構圖、技法和程式化的表現諸方面，都具有自己的特點，這些特點，也正是目前國畫理論家正在討論總結的問題。這里試舉數點。

一、首重立意胸有成竹- -中國畫的構思

中國畫創作，以立意為先，許多繪畫理論家都首先強調這一點，不管是畫山水、畫人物、還是畫花鳥。

唐代張彥遠在《歷代名畫記》中有一段關於"六法"的論述："夫象物必在於形似，形似須全其骨氣。骨氣形似．皆本於大意而歸乎用筆。"他認為立意在完．畫中才能有變態、有奇意。

宋代以畫梅花著名的華光和尚，法號仲仁，傳為華光著作的《畫梅指迷》中，有一段"畫梅全決"， 開頭就是"畫梅全決，生意為先"。到了清代的方薰，著有《山靜居畫論》．在這里也強調了立意與作畫之關系，他說："作畫必先立意以定位置，意奇則奇，意高則高，意遠則遠，意深則深，意古則古"。他認為平庸者作畫必平庸，俗氣者作畫也俗氣，因為缺乏畫家最寶貴的"立意"，所以作品平庸。

意人利文藝復八時期的畫家達·芬奇，也有近似的近在他曾說："一個畫家應當描繪兩件最主要的東西，人和人的思想意圖。"這與我國晉代人物畫家顧消之所提出的"巧密於精思"是十分一致的。

"意"是從哪裡來的？一是畫家對現實生活的豐富體察、創作經驗的充分積累；另一點便是畫家本人的修養，這樣在創作之先，畫什麼，怎麼畫，在頭腦中形成了成熟的構思。

宋代畫家文與可，別人稱贊他"胸有成竹"，即在他沒有落筆畫竹之前，頭腦中已經有了竹子的形象，在胸中、筆下躍躍欲出，這時便能落筆而就。"'胸有成竹"遂成為我國贊譽善於計劃安排事情的成語。

在張彥遠提出的"立意"之前，南產時代的謝赫即有'創意"、'明意"之說。創意之畫，不落陳套，用意精當，借景以生境，筆少而意多，在這一意義上講作為一個畫家，不僅要在平時注意練筆、錘煉個人的表現技巧，更為重要者，還要認真地加強練意之功。很多習畫者，常常只是注意在練筆上下功夫，而忽略了練意，這是值得注意的。

二、以線造型以形傳神——中國畫的造型規律

中國畫是以線存形的，通過線勾出輪廓、質感、體積來。德國的詩人歌德稱美術有用光表現得神態活現的那種本領，說明西洋畫用光為造型手段之一。但中國畫主要是以線為造型之基礎，這就使中西繪畫在造型手段上有明顯之分野，但這並非說西洋畫完全排斥用線，而是說光可以作為繪畫的主要語言而用於繪畫的。法國的羅丹曾經強調過："一根規定的線通貫著大宇宙"，是說造型藝術從宇宙如何分割出來的問題，也並非以此作為繪畫的主要表現手段來看待。而中國畫無論對山水的破線或是衣服的紋線，都積累了非常豐富的線型，巧妙地描繪著各種形象。
"以形寫神"是晉代畫家顧愷之的一句名言，從而確立了中國藝術神高於形的美學觀。它與純以抽象性為高的近代歐洲美學觀具很大的區別，即畫人不僅僅於形似．還要升高於神似，畫出人的精神面貌，不停止於外形之模擬，不拘泥於自然之真實，這一論見為藝術家建立起藝術應竭力企求之高度，在這一理論指導下，歷代出現許多傳神寫照的佳作，成為指導繪畫的一個重要准則。

三、多點透視 計白當黑——中國畫的構圖法則

中國畫既用焦點透視法，也用散點透視法，既有嚴守真實的畫面空間和布白．也有打破真實按構圖需要而平列的空間和布白，這樣就使物象在畫面出現時，可以按實物在畫面上的藝術需要．伸長或縮短變化其形象，更換其位置。一株低於視平線的牡丹花．也可架高於祝平線之上，而取得透視的最佳效果。
中國畫在空白處尤其注意經營，常常借用書法上的計白當黑．即沒有畫面的部位要象有畫面的部位一樣作認真的推敲和處理。
四、隨類賦彩色彩相和- -中國畫的色彩法則
中國畫的色彩，不拘泥於光源冷暖色調的局限，比較重視物體本身的固有色，而不去強調在特殊光線下的條件色。畫那一件物品，就賦予那一件物品的基本色，達到色與物、色與線、色與墨、色與色的調和。

五、情景相生氣韻生動- -中國畫的意境

中國畫要求筆與墨合，情與景合、現實中無限豐富的景象，繪畫家以強烈的形象感染力。畫家憑借著這種感受，激起描繪這些景象的激情，於是作品作為情景相生的復寫而重現，使情景交融在一起。
至於氣韻生動，即是畫家所創造的藝術靈境，不同於一般的寫生畫，應成為富有生氣，新鮮而活潑，有詩一般的韻味，使觀者神往無窮。如果沒有表現出如此生動、如此韻味豐富的內涵，當然，就不能給予人這一些感受，而達不到中國畫富有引人入勝的意境。

六、詩書畫印紙筆- -中國畫的獨特形式

可以說只有中國畫，才有題字蓋印的做法，不僅文人畫，可以顯示其詩、書、畫三絕之長，即是一般的畫作，也總要題字蓋印，這樣才有傳統藝術的濃厚風味。
題字和詩句，可以提高或補充觀者對作品的欣賞和理解，也豐富了構附的變化，起到互相襯映，互為顯彰，點綴與平衡構圖的多方面作用。
中國畫的工具和材料之性能，也決定著中國畫的特色。中國畫是運用絹和紙作畫，特別是生宣紙的出現，更加發揮了筆趣和墨彩。宣紙的滲性，毛筆的尖錐，使得筆鋒無窮變化，產生出奇妙的效果。同時形成了各種效法和描法，畫法和筆法。

從寫生到寫意

國畫在初學時以臨摹作為入門的手段，逐漸地對物寫生。再轉而對物象寫意，不僅粗筆的寫意畫是如此，就是細致的工筆畫，也有其寫意的成份。因為中國畫在描繪物象時，不管是為工筆或為寫意，其處理手法都帶有寫意性，不是簡單復寫一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所當繁，而簡其所當簡，對物象提煉加工的程度較高，不以光色外型的逼真為能事，著重於內在的認識。

根據董其昌的記載，好多著名的山水畫家，都是以真山水為稿本進行創作的，如"李思訓寫海外山，馬遠夏圭寫錢塘山，趙吳興寫營雪山，黃子久寫海虞山"。當後人看這些畫幅時，感到他們既是在寫生，又是在寫意；既師法於自然，又不為自然現象所困。拿黃子久的《富春山居圖》來看，作者取材於富春山，並不就是富春山的環境地理圖，他表現的是黃子久理想化了的境界。

由此說明古代畫家對自然界各種物象是如何認識並表現出來，使真實物變為藝術形象，並且逐漸使之規律化、程式化，同時可以看出他們豐富的表現技法。

對照《芥子國畫傳》及其它畫譜，再對照歷代畫家對這一程式的運用，讀者便可以摸到從自然生態變為國畫中的藝術形態，如何加工和概括的過程。從中也可理解到從寫生到寫意的處理加工手法，從技法上掌握中國畫的造型特點。

主題突出

明代汪珂玉在《珊瑚綱》中說："古人作畫，皆有深意，運思落筆，莫不各有所主"。"所主"也即是主題。主題突出，是藝術創作中的一個共性。一個主題思想形成了，便可決定用何題材去表現，再決定素材之選擇，以至確定下作品的標題，採用什麼樣的表現方法，都要取決於主題表現的是什麼。象唐代閻立本的名作《蕭翼賺蘭亭圖》（傳），這個故事的曲折情節很多，但閻立本選取的是蕭翼的意在"有意、機詐和騙誘"和辯才的出於"無心、善良和受騙"兩個典型情節，以突出畫中的主題。主題突出在"賺"字上，其他的細節則盯以減略或概括，這是完全符合《法書要錄》上對這一事實所作的記述。

在國畫創作中，發現了好的題材，並不等手都能突出主題。如只求人物之生動刻劃，或求畫面之豐富變化，或者平鋪直敘，均不能算是突出主題。作者只有從國畫藝術的特有規律和表現手法來考慮應該突出什麼，要善於按國畫形式概括題材，確定主題，把人物的刻劃，細節的組織，都用來烘托主題，使觀者從畫面上叮以不加解釋的領會到作畫者的意圖何在。所以郭熙認為?quot;作畫先命題為上品，無題便不成畫"。

主題明確了還應給作品取個最恰當的題名，大多數情況下還要題在畫面之上。標題要言簡意賅，寓有深意，也可以直接地揭示出主題，也可以暗示出主題的含意，以取得畫龍點睛之妙。

積累素材

文藝工作者都需要在生活中積累大量的素材。文學家使用的是文字，畫家有時也用文字，但主要的是用畫筆寫生。在畫家接觸自然界的風景、花卉和人物時，要經常以速寫為記錄，把觀察到的實物用畫筆隨時收集。象畫家齊白石，對於各種小生。的生理結構，都有非常細致的觀察和了解，這樣做下去，也鍛煉了美術工作者觀察生活和造型的能力。

魯迅先生提到過，"作者必須天天到外面或室內練習速寫，才有進步。到外面去速寫，是最有益的"。

從生活中記錄下來的原始材料，如同開採到的礦石，也象是活水的源頭，有無限的生動和豐富，比之於拍照片，抄畫報得來的素材，親切而深刻。在深入探索自然風光和人物的實踐中，積累大量素材，同時構思新的畫題，會引起無窮通思。

題材 體裁

題材不同於素材，素材是未經冶煉的礦石，題材則是從大量的素材中．經過淘沙煉金找出的最適於表達某一主題的材料。如果對素材的選取不精，會使所要表達的內容，失去鮮明性和典型性。

用一個通俗的比喻來解釋體裁，好比是量體裁衣，根據不同的體型，來剪裁不同的款式。比如一面大的壁畫製作，用一幅小的冊頁體裁就不適當。又如前面提到的《蕭翼賺蘭亭》，用人物畫的體裁就比較好，而《長江萬里圖》，當然是用山水畫的長卷形式為佳。而各種詠梅的詩意畫，則用花卉驚現口為貼切。

在人物、山水、花卉諸種形式和體裁中又分有工筆、寫意、重彩、水墨等等的不同。作者當確定畫的主題之後，都應從內容出發，跟著就要考慮所要使用的體裁。諸如長幅還是短幅，是用大場面還是用特寫之筆。

兩個基本功

一、中國畫在其形成過程中，有許多的傳統表現手法，掌握這些方法，一個經常使用的辦法，是；陵墓前人作品和老師的畫稿。副腳七畫家王石谷，臨摹宋元各大家，都有相當造詣，經數十年的臨摹和體驗，他才感到對青山綠水有了充分的把握，這一點在臨摹一章里還要細談。

二、生活中的豐富環境，是畫家最活的畫本，畫家應在生活中不停地磨練自己，國畫家常講求以造化為師，只有從這個豐富的寶藏中，才能開發出藝術的瑰寶，得到自然界的啟示，收集廣泛的素材。

兩個基本功相輔而行，不可或缺，只臨摹前人的稿本，日子長了，失去獨自創造的能力，如果只靠寫生的東西，則常常失去傳統的筆致。

在畫傢具有了很好的國畫臨摹基礎之後，生活則是最重要的了。清代畫家石濤說"筆非生活不神"，關在屋子裡瞑思苦想不行，缺點在於離開自己親自收集來的形象，對人物的性格、精神面貌全無所知，這種形象就會概念化。反之，你在生活中畫下最熟悉的人物，一閉上眼，人的精神氣質、音容笑貌、都會不呼自出，就會生動得多。

就拿畫人來說吧，工人和農民，雖然都是勞動者，而從個性和氣質都不相同，這些就需要在生活中默默的研磨才能脫穎而出。畫山水花鳥，也同樣離不開實地旅行寫生和體驗。當然作為一個藝術工作者，除了筆墨和生活基礎之外，對於人品道德的修養，尤其不可忽視。過去人們常講的書如其人或者說畫如其人，即指一個畫家的人品和修養，常常自然流露於筆端。

清，王星在《東庄論畫》一書中徽「學畫者先貴立品」。清，沈宗春在《齊舟學畫編》中說：「筆格之高下，亦如人品」，「心畫形而人之邪正分焉」。都足以說明，書畫評論家，對畫家的藝術水平高低之外，還要全面的分析畫家人品道德，只有那品藝僅高的畫家才值得人們學習和尊重。