舞剧歌剧话剧哪个是意大利的

① 歌剧,舞剧,歌舞剧的不同之处

歌剧以歌为主 舞剧以舞为主呀~舞剧可以不用唱歌滴~
歌舞剧就是又有歌又有舞的^_^

② 四大戏剧原产地

舞剧，在西方统称为芭蕾，起源于文艺复兴时期的意大利,形成于16世纪的法国。

戏曲是中国传统的戏剧形式。

话剧是在英国起源。

③ 歌剧、话剧、舞台剧的区别

1、 概念：

歌剧：一门西方舞台表演艺术，简单而言就是主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧（是唱出来而不是说出来的戏剧）。

话剧：以对话方式为主的戏剧形式。

舞台剧：可以定义为呈现于舞台的戏剧艺术。

2、 包含种类

歌剧：意大利语歌剧、德语歌剧、法语歌剧、俄语歌剧、英语歌剧

舞台剧：日本舞台剧、真人舞台剧

话剧：中国传统戏剧均不属于话剧，一些西方传统戏剧如古希腊戏剧因为大量使用歌队，也不被认为是严格的话剧。现代西方舞台剧如不注为音乐剧、歌剧等的一般都是话剧。

3、 表演形式

歌剧：主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情

舞台剧：歌剧、舞剧、话剧、哑剧

话剧：以无伴奏的对话或独白为主

(3)舞剧歌剧话剧哪个是意大利的扩展阅读：

歌剧、话剧、舞台剧的代表作品：

歌剧：《尤里西斯返故国（Il ritorno d'Ulisse in patria）》、《波佩雅的加冕（L'incoronazione di Poppea）》、《达芙妮》、《卡德摩斯与艾米安（Cadmus et Hermione）》

话剧：《名优之死》、《获虎之夜》、《关汉卿》、《年关斗争》、《终身大事》

舞台剧：《死神》、《美少女战士》舞台剧、《猎人》舞台剧、《樱花大战》

④ 请问哪位音乐高手 歌剧与话剧、舞剧、清唱剧的异同点是什么

歌剧产生于文艺复兴的意大利威尔第的 ，〈优利狄西〉开始，到十九世纪昌盛意大利正歌剧同时产生，二十世纪发展舞剧
. 清唱剧，中国第一部清唱剧是黄自的〈〈长恨歌〉产生于巴洛克时期加入“剧”的成分最着名的是亨德尔的〈弥撒亚〉经典唱词是“哈里路呀” 歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

【歌剧的起源】

一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧o.里努奇尼，作曲j.佩里与j.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨g.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。

【歌剧的发展】

17世纪末，在罗马影响最大的是以亚•斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上着名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。

意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。

19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬·巴赫是这一体裁的确立者。

20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国着名的作曲家勃里顿等。

【声乐】

歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。

歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。

咏叹调

咏叹调是歌剧中主角们抒发感情的主要唱段，它们的音乐很好听，结构较完整，能表现歌唱家的声乐技巧，因而我们经常也会在音乐会上听到它们，如《蝴蝶夫人》的咏叹调“晴朗的一天”，《茶花女》的咏叹调“为什么我的心这么激动”、和罗西娜的咏叹调“我的心里有一个声音”等等。

宣叙调

宣叙调是开展剧情的段落，故事往往就在宣叙调里进行，这时角色有较多对话，这种段落不适宜歌唱性太强，就用了半说半唱的方式，叫做宣叙调，它很像京剧里的韵白。京剧中，青衣、小生或老生都有一种带有夸张语音音调的念白，它虽不是很旋律化，但可使道白便于与前后的歌唱衔接，其功能与西方歌剧里的宣叙调很近似。欧洲歌剧早期的宣叙调非常不歌唱化，叫做“干宣叙调”，往往是用古钢琴弹奏一个和弦给一个调，歌者就在这个调里用许多同音反复的道白来叙述，这种同音反复译成中文非常难听，因为中国语言是有四声的抑扬顿挫的，我们中国人不能用平平的音调唱：你今天吃饭了没有？听起来肯定好笑。所以我们在遇到这种“干宣叙调”时，干脆就拿掉了说唱，改成对白了。但到19世纪，随着歌剧宣叙调的逐渐旋律化，如我们在演唱《茶花女》和《卡门》等歌剧时，就把宣叙调也译配成中文了，有一点旋律性，就可以随着旋律的高低，找到四声合适的中文。

重唱

重唱就是几个不同的角色按照角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，两个人同时唱的，叫二重唱，有时会把持赞成和反对意见的角色，组织在一个作品里；就可能是三重唱、四重唱、五重唱，在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚礼》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。

还有一个形式就是群众场面的合唱，前面已经说过了，它可以根据剧情要求是男声的、女声的、男女混声的，或者童声的。

歌剧有故事情节，歌唱有歌词，它的歌词与音乐和戏剧发展有着密不可分的关系。因而在中国介绍西方歌剧，是用翻译的方式好呢，还是唱原文保持它的“原汁原味”呢？历来就有各有千秋的两种主张。建国后，中国的歌剧工作者在介绍西洋歌剧时，在翻译方面做了很大的努力，这里，有一个重要的问题，就是文学语言不仅要翻译得好，在配到音乐里时，还要符合音乐的规律，听众才会觉得舒服，才能让人接受，这是一门学问，是一个非常艰巨的工作，必须要有音乐修养很高的翻译家，或者翻译家和音乐家的合作才能做好。我个人的观点是：既然观众是来剧院看戏，人们就要求能看得懂。在中国介绍西方歌剧，就最好翻译成中文，才能让人们较为便捷地随时懂得剧情和歌剧音乐的戏剧性，欣赏到亦歌亦演的表演，它至少可以让我们中国听众觉得我们的音乐工作者是很希望他们懂得西方歌剧的魅力的。而这几年的社会时尚是用原文加中文字幕的演唱，它虽然可以表现我们的演员演唱原文的水平，而且有了可能被外国的经纪人看中，被邀请到国外去演出的机会，但据我了解，对听众来讲，对西洋歌剧的接受程度就更远了，观众面更狭窄了，大家会觉得算了，反正你们也不希望我们听懂，何况一些演员的原文水平也不高，其实谁也听不懂，这样对推动西洋歌剧在中国的传播并不有利。

一种戏剧形式。由配有音乐的戏剧文本(歌词)组成，演唱时通常用音乐伴奏。除了独唱演员、重唱演员、合唱和乐团团员外，从其一开始，歌剧演出还常常包括舞蹈演员。这种复杂的、开支庞大的音乐戏剧娱乐形式，5个世纪以来一直受到听众喜爱。它与其他戏剧形式的明显区分在于其台词用歌唱而不用语言表达；与音乐戏剧式的戏剧，如轻歌剧和音乐喜剧等的区分，则在于其作品的庄重、结构的严密和伴随音响的严肃。

古代已有诗剧和音乐相结合的作品。古希腊剧作家埃斯库罗斯(Aeschylus)、索福克勒斯(Sophocles)和欧里庇得斯(Euripides)在其剧作中就已采用合唱歌队。中世纪以《圣经》为题材的宗教剧，如神迹剧和奇迹剧，一般也有某种音乐伴奏。这些以及其他音乐戏剧形式可视为歌剧的先声。歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦斯。第一部歌剧是文艺复兴时期田园诗人利努奇尼(Ottavio Rinuccini)和作曲家佩里(Jacopo Peri)合写的《达夫尼》(Dafne)，现已失传；现存最早的歌剧剧本《尤丽狄西》(Euridice)也是他们的作品。然而，这两位歌剧之父的作品在体裁和结构上均属探索性质。此后约10年，蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的歌剧杰作《奥菲欧》(La favola d'Orfeo)问世。其中，器乐伴奏成为一种戏剧因素；其时歌剧题材多为希腊与罗马神话、传说和虚构的历史故事。

歌剧院

世界上第一座歌剧院——圣卡西亚诺剧院(Teatro di San Cassiano)于1637年在威尼斯揭幕，向一般观众开放，从而结束了歌剧由皇室和贵族垄断的时代，大大推动了歌剧的发展。蒙特威尔第的学生卡发利(Francesco Cavalli)是这一时代最着名的歌剧作曲家，他从1639～1669年为威尼斯这座歌剧院创作了共约40部歌剧，其中最有名的为《伊阿宋》(Giasone)。与卡发利同时的意大利歌剧作家蔡斯悌(Pietro Antonio Cesti)，也写有歌剧多部，其最着名之作为《金苹果》(Il pomo d'oro)。17世纪中期后，威尼斯歌剧体裁开始衰退，虽然这时仍出现了几个有才华的作曲家，如常被人称为“喜歌剧之父”的加卢皮(Baldassare Galuppi)。

意大利的其他城市，如罗马，很快发展起其本地风格的歌剧。罗马的歌剧与威尼斯不同，它不太强调舞台的富丽堂皇，而喜用风趣的插曲来减轻全剧的悲剧气氛，注重乐器的序曲和序曲式幕间乐章。罗马也有不少有名的歌剧作家，如创作了第一部完整喜歌剧《受难者即希望所在者》(Chi soffe speri)的马佐契(Virgilio Mazzocchi)和马拉佐利(Marco Marrazzoli)。

18世纪，意大利歌剧中心移至那不勒斯，各种歌剧体裁相继出现，从而影响了意大利以及许多外国歌剧活动中心。其重点是使音乐服从歌词，使人听懂。歌词作者泽诺(Apostolo Zeno)和梅塔斯塔齐奥(Pietro Metastasio)为此作出了贡献。歌剧的咏叹调，特别是三段体咏叹调，占主导地位。那不勒斯歌剧和声纯朴，更为旋律化和轻快，并带有洛可可风格壮丽的音调。代表作家有史卡拉第(Alessandro Scarlatti)、波尔波拉(Nicola Antonio Porpora)、文奇(Leonardo Vinci)和莱奥(Leonardo Leo)。

1720年威尼斯人马尔切罗(Benedetto Marcello)写了《时兴的戏剧，又名创作和演出意大利歌剧万无一失的方法》(Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben comporre ed eseguire opere italiane in musica)，讽刺正歌剧中日益增长的、使戏剧性淡薄的陈规陋习，从而引起了歌剧改革的试验，但收效甚微。

17世纪发展出了形式独立的讽刺性喜歌剧。开始时，它往往穿插在正歌剧的幕间。在成熟过程中，它又恢复了一些正歌剧感情严肃的特色，进而使许多喜歌剧带有混合性质。《塞尔维亚的理发师》、《费加罗的婚礼》和《秘密结婚》(Il matrimonio segreto)等是此时期的代表作。

1650年前歌剧传入法国，第一部法国歌剧《波蒙纳》(Pomone)于1671年在皇家音乐学院(即今巴黎歌剧院)揭幕式上首演。但歌剧到卢利(Jean-Baptiste Lully)生活的时代才成为真正的法国艺术。意大利人卢利前往巴黎，借用法国话剧与芭蕾舞的特色，创作法国式歌剧。他不喜欢意大利式的咏叹调，主张改用短而活泼的歌曲。他按照法兰西喜剧团的朗诵方式改革了宣叙调，并发展起了法国式的序曲。卢利的风格在拉摩(Jean-phlippe Rameau)的歌剧里达到顶峰，其主要作品有《希波利德和阿利茜》(Hippolyte et Aricie)等。

1627年歌剧传入德国和奥地利后，产生了“民谣歌剧”，涌现了一批歌剧作家，如莫扎特、韩德尔、贝多芬等，主要作品有《魔笛》、《奥兰多》、《费加罗的婚礼》、《唐·璜》、《费德里奥》(Fidelio)、《月球上的世界》(Il mondo della luna)等。1769年，卡尔札比吉(Ranieri de'Calzabigi)和葛路克发表关于歌剧革新的重要文献∶歌剧《阿尔西斯特》(Alceste)的前言献词。他认为多余而花俏的三段体咏叹调应予废除，代之以朴素的表达和真实的感情。音乐的职责是“为诗服务”。葛路克的代表作有《伊菲姬尼在奥利德》(Iphigenie en Aulide)和《伊菲姬尼在图利德》(Iphigenie en Tauride)等。他的改革主张曾产生重大影响。

歌剧传入英国后，经过很长时间才在英国扎根。英国的第一部歌剧是普赛尔(Henry Purcell)的《狄多和伊尼阿斯》(Dido and Aeneas)；它打破了宣叙调和歌曲之间的界限。《乞丐歌剧》的上演，使英国观众终于习惯于听一种用本国语演唱的舞台剧。

18世纪末至19世纪初，法国的喜歌剧得到了很大发展。1752年卢骚的独幕喜歌剧《乡村卜者》(Guerre des Bouffons)上演，他用混合曲的方式写成总谱，把反映十分通俗的浪漫爱情和歌舞杂耍表演的曲调组合在一起，很有法国风格。尔后这种新的杂烩式喜歌剧便统治了巴黎和其他地区的歌剧舞台。着名剧作家有蒙西尼(Pierre-Alexandre Monsigny)、格雷特里(Andre Gretry)、梅于尔(Etienne-Nicolas Mehul)和布瓦埃尔迪厄(Francois-Adrien Boieldieu)。法国喜歌剧自布瓦埃尔迪厄后，变得更意大利化，反映出罗西尼的影响。在此时期，意大利歌剧一度衰落，后因迈尔(Johann Simon Mayr)、罗西尼、董尼才第(Gaetano Donizetti)和贝利尼(Vincenzo Bellini)等有才华的歌剧作曲家创作了一批有世界声誉的歌剧作品，如《塞尔维亚的理发师》、《安娜·波莲》(Anna Bolena)、《海盗》(Il pirata)、《清教徒》(I puritani)等而重新受人喜爱。

“大歌剧”产生于19世纪的巴黎，这是一种具有国际风格的大型歌剧，采用历史的或虚构的历史故事为题材，舞台上充满了奇景艳服、芭蕾舞和各种跑龙套的方阵队列。它几乎摒弃了美声唱法的精巧细微，极大地扩充了乐团本身和它在戏剧中的作用。第一出公认的大歌剧是梅耶贝尔(Giacomo Meyerbeer)的《魔鬼罗伯特》(Robert le Diable)。梅耶贝尔和阿勒威(Fromental Halevy)之后，大歌剧开始反映出新的音乐趋向，发展成多种多样的混合形式。这时期的法国歌剧作家还有白辽士和奥芬·巴赫，二人主要作品有《天堂与地狱》(Orphee aux enfers)、《特洛伊人》、《霍夫曼的故事》(Les Contes d'Hoffmann)等。

德国浪漫主义的歌剧是《自由射手》(Der Freischutz)等作品，它们是德国浪漫主义音乐的先导，这时期兴起的还有轻歌剧，约翰．史特劳斯的名作《蝙蝠》使之发展到颠峰。

19世纪后着名歌剧作曲家有∶意大利的威尔第、普契尼、布索尼等；德国和奥地利的瓦格纳、理查·施特劳斯、费慈纳(Hans Pfitzner)、荀白克、贝尔格等；法国的古诺、比才、托马、马斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威尔。

歌剧传入俄国后，最初多搬演外国作品，尔后才产生了俄国歌剧之父格林卡(Mikhail Ivanovich Glinka)等一批优秀歌剧作曲家，如李姆斯基·柯萨阔夫、鲍罗丁、穆梭斯基(Modest Mussorgsky)、柴可夫斯基、史特拉文斯基和普罗高菲夫等。

至20世纪中叶歌剧几乎变成一种博物馆艺术，多是重演旧作而极少新作。歌剧的未来出路有些作家认为在于类似歌剧的、使观众感到惊奇和意外的舞台剧和其他混合的歌剧形式之中，其他人则认为在于为工厂和学校上演而创作的种种小型歌剧之中。

⑤ 音乐剧和舞台剧，歌剧有什么区别

一、定义：

1.音乐剧：

是一种舞台艺术形式，结合了歌唱、对白、表演、舞蹈。通过歌曲、台词、音乐、肢体动作等的紧密结合，把故事情节以及其中所蕴含的情感表现出来。

2.舞台剧：

指呈现于舞台的戏剧艺术。舞台剧按内容可以分为喜剧、悲剧和正剧。

3.歌剧：

是一门西方舞台表演艺术，简单而言就是主要或完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。

二、特点：

1.音乐剧：

音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的强烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。

2.舞台剧：

由于现代科技的进步，不仅舞台的配套设施日臻完美，而且舞台自身的功能愈发齐全灯光的旋、扫、闪，装置的升、移、摇，音效可以在剧院环绕，影像可以在舞台升腾；舞台可以横移，舞台可以旋转，舞台可以云山雾罩，舞台可以呼风唤雨。

3.歌剧：

歌剧演出更看重歌唱和歌手的传统声乐技巧等音乐元素。歌手和合唱团常有一队乐器手负责伴奏，有的歌剧只需一队小乐队，有的则需要一团完整的管弦乐团。

(5)舞剧歌剧话剧哪个是意大利的扩展阅读

歌剧最早出现在17世纪的意大利，既而传播到欧洲各国，而德国的海因里希·许茨、法国的让-巴普蒂斯特·吕利和英格兰的亨利·珀赛尔分别在他们自己的国家，开创了17世纪歌剧的先河。

一直到18世纪，意大利歌剧依然是欧洲的主流，纵然巴黎吸引了不少外国作曲家到法国谋生，但亨德尔最终落脚英伦。

歌剧通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。

参考资料来源：网络-音乐剧

参考资料来源：网络-舞台剧

参考资料来源：网络-歌剧

⑥ 话剧、戏剧、歌剧的区别。谢谢！

歌剧一种以歌唱为主，并综合以器乐、诗歌、舞蹈等艺术为一体的戏剧形式，称歌剧。歌剧是西洋音乐舞台上最重要的综合艺术形式。
中国话剧只有百年的历史。从西方引入中国，20世纪初到“五四”前称“文明新戏”，这种早期话剧仍具有一些戏曲的特点。“五四”以后重行照原样引进西方戏剧，形式是现实主义戏剧，称“新剧”。1928年起称“话剧”，沿用至今。表演形式是全部台词都是用对话或者是自白方式进行。

中国戏曲是中华民族文化的一个重要组成部分，她以富于艺术魅力的表演形式，为历代人民群众所喜闻乐见。表演形式以唱，念，做，打这四样基本方式完成。我国地域辽阔，民族众多，因此我国的戏曲剧种也是繁若星辰，不可胜数，几乎每一个省和地区都有当地人民喜爱的剧种。

⑦ 四大戏剧哪一种原产地是意大利，，，A舞剧,,,B歌剧,,,,C戏剧,,,,D话剧

选B，歌剧
歌剧产生于16世纪末的意大利

⑧ 舞剧又称什么起源于哪个国家

音乐剧(也可翻译为歌舞剧)起源于19世纪的英国，是由喜歌剧演变过来的，比较早的作品有英国作曲家琼斯写的《快乐的少女》等，因此，伦敦西区的剧院被人们尊为音乐剧的故乡。
其中的芭蕾舞起源于意大利。早在五百年前文艺复兴时期，意大利的贵族们在宫廷内观赏一种叫做“芭莉”或“芭莱蒂”的华美舞
蹈，即是后来芭蕾舞的雏型。
这种舞蹈传人法国，成为芭蕾舞发展的第一个高峰。法由国
王带头跳舞，并创办不第一所舞蹈学院——皇家芭蕾舞学院，确
立了芭蕾舞蹈动作的基本规范。
随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节
的芭蕾舞步入剧场，演出了带有社会生活内容的舞剧。
十九世纪，浪漫主义思潮亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾
舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女
花神、精灵鬼怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了短裙，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站
立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及
表达追求与渴望的情绪。
十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名着《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响
性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品

⑨ 音乐剧起源于欧洲的哪个国家

西音乐剧的起源方

音乐剧是以具有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐、舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机统一体的艺术。英国和美国是音乐剧的全盛国度，从音乐剧发展的角度来看，伦敦西区和纽约百老汇可称作为音乐剧的发源地。然而音乐剧在英、美两国也有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢踏舞、戏剧性的话剧和含歌唱的喜剧的影响；在英国，音乐剧更多的与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀、易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更接近芭蕾。但英国音乐剧自吉尔伯特（Arthur Sullivan）和苏利温(William Gilbert)之后，便继续着小歌剧传统，一直难以与百老汇的作品抗衡，直到70年代局面才开始扭转；而在美国虽然最初上演的多是英国的舶来品，但不久以后，美国艺术家便创造出完全美国化的音乐剧作品，并使其不断发展和完善。因此，从历史的角度来看，是英国启迪了美国创造出音乐剧这种融合通俗戏剧、音乐、歌舞的新型戏剧形式。在这里本文将进一步探究美国是如何把来自欧洲的各种音乐娱乐传统融合发展成为音乐剧。

关于音乐剧的起源，目前说法甚多：一说起源于欧洲19世纪古典轻歌剧和喜歌剧；一说起源于美国本土的由乡村歌曲、黑人灵歌与爵士音乐和流行歌舞拼装而成的歌舞杂耍；一说起源于19世纪英国人创造的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”；一说是1866年的《黑钩子》以及后来的“话剧加歌舞”的戏剧类型。另外还有一种“综合起源说”，认为音乐剧这种极为复杂的文化现象，不大可能仅从单一文化源流中生成，它必须从多种文化成分中吸取养料构筑自己的艺术血肉，因此它的形式来源必须是多元化的。
本文对音乐剧起源这个问题的探讨，认为“综合起源说”比较靠得住。这是因为“综合起源说”不仅接纳了其它各说的成果，而且此说较其它各种说法更接近于音乐剧发展历史的实际状态。对此，朱利安·梅特（Julian Mates）在他的《美国音乐剧舞台》（America’s Musical Stage）一书中提出：“恰恰是多种元素的作用才使我们的音乐舞台多姿多彩，美国音乐剧的发展综合了音乐舞台的所有元素，从马戏到芭蕾，从情节剧（Melodrama）到严肃歌剧；而且天才演员的出现，社会变迁以及听众品味的变化，都会导致音乐剧的变化。”梅特的观点提醒我们要以更广阔的视角来看待音乐剧的历史来源。接下来本文便以梅特的观点为依据，考察遍及欧洲的各种音乐舞台元素和黑人音乐对美国音乐剧的影响，直到美国音乐剧作为一种音乐艺术体裁开始走向正轨。

一、 歌剧对音乐剧的影响

西方文化中深厚的歌剧传统无论在情节内容，还是在表演方法方面都是音乐剧借鉴和模仿的对象。欧洲歌剧强劲的生命力使它们能不断结合时尚，吸纳流行元素，从而产生出民间歌剧、喜歌剧、轻歌剧等，这些戏剧形式都曾飘洋过海来到美国，并引发当地许多模仿之作。在这里，本文将首先考虑这些歌剧其自身的特点与差别，以及它们为音乐剧所做的贡献。

1、从民间歌剧到喜歌剧

早在18世纪歌剧就已输入北美，但歌剧本身必须有很大的改变以适应当地的口味，如，宣叙调被对白取代，复杂的声部组合被简化为合唱等。当时的北美因其一度是英国的殖民地，在音乐和戏剧欣赏方面也深受英国影响。正当严肃歌剧逐渐让人厌倦之时，一部被称为民间歌剧的作品《乞丐歌剧》（The Beggar’s Opera）先在英国，接着在美国大获成功。该剧于1728年首演于伦敦，并以对白把歌曲串连起来和采用当时的民歌及流行歌曲曲调填词为特色。歌剧内容反映下层社会生活，登场人物不再是传统歌剧中的仙女和英雄，而变成强盗、小偷、妓女、乞丐等，对官僚政客的贪污腐化和严肃大歌剧的陈规陋习，都作了尖锐的讽刺。现实主义的题材，精彩的表演，新颖的音乐运用立刻使该剧引起轰动。

最初的民间歌剧基本与《乞丐歌剧》同出一辙，以散漫的对白取代宣叙调，偶尔穿插有舞蹈，情节以喜剧为主。音乐曲调取自当时的流行歌曲并重新填词再配以新编的情节，只是歌曲与情节的联系不太紧密。当民间歌剧继续向前发展，其歌曲便不再只采用流行于街头的曲调，而开始到处借鉴东拼西凑，于是一种大杂烩的表演形式便由然而生。这种形式不光采用当时的流行歌曲，还从各时代、各地区、各着名音乐家等等的音乐作品中选出好听的曲调，挑选大家喜欢的舞蹈串联于一体。英国在1762年演出的《爱在乡村》（Love in a village）一剧，传到北美便立即产生大量模仿之作。

当流行曲调和过去的作品被反复借用以至毫无新意之后，逻辑上必然导致新创作的出现。起初这种新创作仍然带有大杂烩色彩，常常是许多人一起写歌、一起谱曲，没有谁会在意因此造成的风格不统一。接下来的进一步发展就是完全由一个人完成全剧所有的歌词或曲调，由于不再借用民间流行的曲调，但仍保留着喜剧的形式，我们把这种新创作的作品称为喜歌剧。

当喜歌剧发展到19世纪，歌剧和民间歌剧虽然仍始终拥有许多观众，但相比之下，喜歌剧在美国音乐舞台中的位置更为重要。喜歌剧有专门谱写的乐谱，并在这点回到了歌剧的模式，但与大歌剧不同的是喜歌剧在浪漫的故事情节中点缀着许多专门谱写的乐谱和精心设计的舞蹈，只是歌曲和舞蹈与情节之间没有紧密的内在联系。虽然如此，喜歌剧，特别是喜歌剧中的歌曲，却反映出美国当时的现实生活和时代精神。滑稽的表现或讽刺时事要闻成为绝好的主题，当然也有许多以爱国为主题的作品，这些作品的出现使美国喜歌剧有了自己的特色，从而和英国喜歌剧区别开来。

2、小歌剧(Operetta)的影响

小歌剧是民间歌剧和喜歌剧继续相互融合渗透的产物。法国奥芬巴赫（Jacques Offenbach）是小歌剧的创始者，他的《地狱中的奥非欧》（Orpheus in the underworld，1858）是第一部完善的小歌剧，他不仅从民间歌剧中采纳了大众喜爱的讽刺形式，并配上当时政治的社会的和令人发笑的等等素材,在演出中，虽然有对白，但唱腔、剧情规模等更接近严肃大歌剧。奥芬巴赫的作品在美国内战之后流行于美国，他的观众往往也是意大利歌剧迷。

继奥芬巴赫之后，维也纳的“华尔兹之王”约翰·小施特劳斯（Johan Strauss II）也有杰出的小歌剧作品，但让小歌剧达到新高度的是英国人苏利温（Arthur Sullivan）和吉尔伯特（William Gilbert）。作曲家苏利温与幽默作家吉尔伯特的合作始于1871年，到90年代合作终止时，他们奉献出13部小歌剧，他们大量脍炙人口的作品，成为19世纪晚期英国小歌剧创作的范本。1878年吉尔伯特和苏利温创作的《皇家舰队》（H.M.S. Pinafore）席卷北美，各大剧团争相演出该剧，仅在波士顿就有241场演出。舶来的欧洲小歌剧在美国的成功演出对美国本土的小歌剧创作起到良好的促进作用，虽然在欧洲影响下产生了许多小歌剧作品，但与欧洲的水平相比，仍然存在不小的差距。

美国人苏萨（John Plilip Sousa），在欧洲的影响下，最先创作小歌剧他自1879年起写了一部《走私船》（The Smuggles）后写了共19部作品，但和欧洲作品没什么区别。使美国小歌剧真正具有鲜明美国风格是由赫伯特（Victor Herbert）开始。赫伯特凭其第一部小歌剧《安那尼亚斯王子》（Prince Ananise，1894）一炮走红，取得轰动性的成功后，便一发不可收的在二十年间先后创作了五十余部小歌剧，其中以1903年的《娃娃谷》（Babes in Toyland），1906年的《红磨坊》（The Red Mill）1910年的。《顽皮的小玛丽》（Naughty Marietta）堪称经典之作，从而确立了他在美国百老汇小歌剧方面的龙头老大地位。

赫伯特及后来的龙伯格（Sigmund Romberg）、弗雷蒙（Roudolf Friml）等人的小歌剧在艺术特征上依然与维也纳小歌剧一脉相承，较为注重音乐的表现，强调音乐的主导地位，追求曲调的优美动听，然而对戏剧的展开和各种艺术因素的有机结合，则没有考虑为特定的人物性格和特定时间地点写作，只把精彩的布置，好看的戏服，优美的曲调，演员精湛的演技置于首要位置。为人声写作的宽广旋律是精心安排的、十分完善的，但其出发点并不是围绕故事的需要，结果造成音乐与内容不统一。到了20世纪20年代末，在美国音乐舞台一度兴盛的小歌剧自赫伯特的谢世逐渐衰落，但在后来很多的音乐剧作品中仍然可以看到很浓的小歌剧风味，而勒纳（Alan Jay Lerner）和洛维（Frederick Loewe）的《窈窕淑女》更是颠峰之作。

概观小歌剧作品上承歌剧四百年的传统，以异国他乡或神话历史为背景，选取传奇式的角色，透过动听的歌曲阐述一段曲折的爱情故事。这些作品在音乐化的叙事形式上已至臻成熟，对白与歌曲之间衔接流畅，但大多数小歌剧甚少涉及深刻的社会题材，而在戏剧与音乐设计上，又预留了许多与剧情不太相关而纯粹为歌手炫技的花俏桥段，以至这些作品多半缺少严谨的组构模式。尽管存在这些不足，小歌剧对音乐剧的发展仍起了非常重要的作用它深刻地影响了观众的欣赏品味，在观众中形成了一套评判标准，从而使新鲜生动的剧本、优美的音乐和文雅的剧诗成为编创者的追求目标，并提醒了音乐剧要以严肃的剧场样式加强其艺术深度。

二、 欧洲城市各种娱乐性的杂剧

相对于大雅之堂的剧场，欧洲各大城市的杂耍剧院、各种表演场和低级酒吧、

妓院为音乐剧的诞生提供了更活泼热闹的表演空间。从滑稽秀（Burlesque）、杂耍秀（Varirty）、综艺秀（Vaudeville）时事秀（Reveue）等歌舞表演形式，到齐格飞尔德的富丽秀（Follies），这类世俗的、甚至被禁止的舞台表演，都被与欧洲同根的美国人所接受。这种表演时至今日仍然兴盛不衰，一直深受欢迎，正是经过这些催化剂的作用带给音乐剧更多的亲和力，才逐渐融合成今天我们喜爱的百老汇音乐剧。

1、从滑稽秀到杂耍秀再到综艺秀

19世纪的工业革命和移民潮使美国人口激增，城市增多，社会中下层对娱乐节目的呼声日益强烈，大量非英语国家的移民观众和演员由于交流上的原因，都对歌剧和有大量对白的剧目不感兴趣，他们需要直观的、简单的但一定要幽默或刺激的表演，于是在这些娱乐场所便充斥着滑稽秀和杂耍秀。这些表演之所以称为“秀”，是因为在情节上比较粗糙，很难算上是“剧”，只好统称为“show”（秀）。

早期的滑稽秀是滑稽化的短篇小品，在19世纪40年代以调侃莎士比亚的戏剧最为流行。滑稽秀演员乔治·L.福克斯（George L. Fox）也以滑稽化的哈姆雷特出名，他的面部肌肉异常灵活，能够制造出意想不到的表情。但继福克斯之后的滑稽秀无可挽回的走上了色情化的路线，滑稽秀表演中经常穿插的歌舞吸引了观众越来越多的注意力。1868年，莉迪亚·汤普森（Lydia Thompson）的“英国金发”舞蹈团带来了脱衣舞，在这个舞蹈团引起震惊之后，滑稽秀变成了色情表演的同意语。滑稽秀很快成为酒店娱乐的重头戏，在各种大众娱乐场所，马戏、歌唱、舞蹈、时事秀和色情滑稽秀按老板喜好的比例掺和在一起，号称杂耍秀。

最初的杂耍秀只能面向男士，这种表演常被认为是“不干净”的，这不仅由于表演中的色情成分，也由于剧场恶劣的环境。到了19世纪80年代有了很大的改变，许多杂耍秀开始面向家庭，色情内容因此取消，剧场环境也大为该观。1881年托尼·帕斯特（Tony Pastor）首先推出了“干净的”杂耍秀，后来又以家庭为单位赠送优惠券或者儿童玩具，吸引了社会各阶层的观众包括一些在纽约很有影响的人物。于是其他人竞相仿效，本杰明·富兰克林·基思（Benjamin Franklin Keith）和爱德华·富兰克林·阿尔比（Edward F. Albee）建立了一系列杂耍秀剧场，成功的商业运作使他们在演艺界势力庞大。从基思开始采用“Vaudeville”（综艺秀）一词来指称这种“干净”的杂耍秀。综艺秀以片段式的杂耍、脱口秀、爆笑剧和歌舞表演为主，其形态颇像现代的综艺节目。其表演者可以是乐师、流浪艺人、大力士、柔术演员、走钢丝的和吐火人等等，而担当报幕员的往往是一个丑角，把一些平常的表演鼓吹成重磅节目。综艺秀在电影发明之前极其盛行的娱乐活动，但随着有声电影的兴起便逐渐销声匿迹。

2、话剧加歌舞的《黑钩子》（The Black Crook）

1866年，法国某芭蕾舞团应约来纽约演出他们的芭蕾舞剧《林间雌鹿》，却因预定的纽约音乐学院剧场毁于火灾而使演出场所无着落。与此同时恰有一部根据小说《浮士德》改编的情节剧《黑钩子》准备在一家由公园改建的大剧院上演。剧场失火事件使该剧老板突发其想，乘机将这个法国芭蕾舞团连人带布景带舞剧全部雇用。将两部从内容到形式都牛马不相及的戏凑合起来，让芭蕾舞演员们表演剧中的神仙和妖怪的舞蹈场面。由于在话剧结构里加入了80多位身穿肉色紧身衣并光着大腿跳舞的美女和光怪陆离的舞台机关布景，自然对观众形成一种锐不可挡的诱惑。因此，这部“大杂烩”居然连续演出了16个月并在全美巡回演出高达475场。

《黑钩子》的陡然爆发，令其他剧团和剧院老板垂涎，于是纷纷仿作。这类“话剧加歌舞”的戏剧类型，其特点是：歌剧式的题材，从滑稽秀和杂耍秀中学来得美腿秀，再在剧中的高潮和幕间插入某些歌舞或配乐，多以追求耳目之娱和感官刺激为能事。这种戏剧类型虽然戏剧和歌舞表演拼凑的痕迹明显，但它为后来的大型剧目、华丽场面设定了标准，是以往舞台表演诸多元素的一次大综合。尽管此时各种表演元素已聚集在一起，但并没有内在的有机联系，还需要时间使它们容为一体。

3、时事秀（Revue）和富丽秀（Follies）

时事秀实际上是滑稽秀和综艺秀的一种较为严肃的综合形式，“Revue”一词来自法语，美国人称之为“French Revue”，其最初形式是法国人每年都进行模仿性的表演，把去年的时事再现出来加以讽喻，再配上豪华的歌舞和喜剧演员的插科打诨。在19世纪90年代，时事秀开始流行于美国舞台，时事秀在反映时事主题的同时，重视华丽歌舞场面，包容各种表演元素。此外，其脚本、歌词、音乐都是专为展现特定主题而专门写成，由此时事秀便与其他相似的表演类型（如，综艺秀等）区分开。百老汇的第一部时事秀是1894年的《往日重现》（The Passing Show），此后连续几年里，都有类似的时事秀在百老汇上演，进入20世纪，时事秀已牢牢占据了纽约舞台。

美国时事秀进一步发展便成为富丽秀（Follies）。百老汇顶级制作人齐格飞尔德（Florenz Ziegfeld ）接纳了未婚妻法国歌舞明伶海德（Anna Held）的建议仿照法国时事秀（Folies-Berger法文）的型式，制作一部以如云美女为号召的豪华歌舞秀，但他的用意却不在讽刺时事，并将之命名为“富丽秀”（Follies）。1907年这档极尽奢华的秀在奥林匹亚剧院顶层的小花园剧场推出，反应相当强烈。自富丽秀问世，齐格飞尔德喊出“让美国姑娘光艳照人”（Glorifying The American Girls）的口号，一时间轰动全国。在富丽秀里，最具代表性的节目通常是一位或多位俊俏的男高音身着礼服唱着软调子的情歌揭幕，接着，美女们便穿着极夸张、极美艳的并保证富丽堂皇的豪华服饰踩着金雕玉砌的阶梯，朗诵着着作词家精心撰写的诗篇，一级一级的下凡亲临人间。总之一定豪华、绚烂、优雅、精致、富丽堂皇。齐格飞尔德的富丽秀规模宏大，制作精细，它是综艺秀和时事秀全面融合的巅峰之作，为百老汇音乐剧的发展留下深刻的影响。
滑稽戏、杂耍秀、综艺秀、时事秀、富丽秀，这一组表演形式可以说是音乐剧舞台上的近亲，和歌剧家族重剧情的舞台表演相比，它们把流行歌舞注入到音乐剧当中，在音乐剧后来的历史发展进程中，重剧情与重歌舞成为两条发展主线。
三、爵士（Jazz）进入音乐剧

在美国的移民风潮中，黑人移民是绝对不能小觑的，尽管他们移居美国并非自愿，但他们的到来却连同非洲这片神秘大陆的神秘文化一起带入美国。美国黑人虽然遭受严重的种族歧视，但黑人文化并没有因此而被埋没，最后还曲折的进入了美国的主流文化。爵士乐是美国黑人从非洲带来的传统音乐与欧洲音乐长期融合的产物，虽然这种音乐已失去纯非洲音乐的风格，但它却成为美国独有的音乐语言。

1、影响爵士乐的音乐元素

爵士乐发源于19世纪末20世纪初美国南部新奥尔良,在当时是流行音乐的一种，对其影响最大的是蓝调（Blues）、拉格泰姆（Ragtime）和小型铜管乐队。

蓝调由美国南部的工作歌和黑人灵歌发展而来，约在1870年间已广传于南方，它本身属于民歌的一种，所表达的是歌唱者的孤寂，或期望，或忧郁的心声，是美国黑人民间音乐在独唱上的结晶。蓝调的演唱者大多不识谱，他们随意表演，即兴发挥，一首歌往往会有许多不同的唱法。蓝调向前发展除了成为美国流行音乐曲体之一以外，也形成美国黑人“热”音乐（即兴表演的音乐）的一种过渡方式。这种过渡现象是透过钢琴蓝调与爵士乐队，将音乐由声乐境界拉进器乐境界来。

拉格泰姆是一种钢琴音乐，它起源于黑人游吟歌子演出中的一种“拉格”舞蹈，溯其源本，这种演出是由白人扮演黑人表演黑人歌曲、舞蹈的一种娱乐活动。开始是白人演员用木炭把脸抹成黑色，取笑黑人，但奴隶被解放后，黑人自己也组成流浪剧团，与白人歌舞演员竞争。这种音乐为人们所熟悉的形式是为拉格舞伴奏或是在沙龙酒吧，赌场和小吃店里娱悦宾客的钢琴音乐，拉格泰姆音乐就其起源最接近于欧洲风格，而少染有非洲音乐的痕迹，可以说它是白人的音乐，黑人式的演奏。

爵士乐的另一重要来源来自铜管乐队。南北战争以后，因为军乐队乐器被出售或抛弃，许多便流入黑人手中。从1870年到1890年中，新奥尔良（New Orleans）的黑人铜管乐队越来越多，这被认为是前爵士乐时期。这个时期的乐队在游行、野餐等节宴及送葬行列中演奏，他们通常只用铜管乐器及敲击乐器，所演奏的也就是适合这种编制的曲子：在节宴中奏军乐进行曲、波尔卡舞曲及四对方舞舞曲，在葬礼中则奏圣诗曲。但这些铜管乐队是以即兴的巧妙节奏（切分法等）及美洲黑人民歌中的音高变化来演奏他们的音乐，而非照着乐谱演奏。

大约1885年到1910年之间，蓝调、拉格泰姆及铜管乐队三种黑人传统音乐混合了起来，新奥尔良或称正宗风格的爵士乐随之诞生。

2、爵士乐对音乐剧的影响

1914年艾尔文·伯林(Irving Berlin)用爵士创作出时事秀《当心你的脚步》，从此美国的音乐剧舞台与爵士音乐结下了不解之缘。“爵士”成为音乐剧的“音乐俗语”，不少作曲家也将爵士的因素引入创作中，乔治·格什温（George Gershwin）开创的就是一种“交响味”的爵士风。到20世纪的20年代，美国音乐家与戏剧家在创作题材上转入本土，音乐上已经开始运用流行于美国的爵士音乐去丰富创作，舞蹈也除了欧洲移民的舞蹈外大量吸收了由黑人舞蹈发展而成的爵士舞和踢踏舞，1924年由格什温兄弟创作的《女士，好样的》(《Lady Be Good》)始，便开创了20年代百老汇音乐剧的爵士舞风格。至此，爵士成为美国音乐剧独有的音乐语言，爵士风格则成为美国流行音乐和音乐剧的主要特色。后来，爵士乐还进入欧洲，改变欧美音乐剧长期以来歌剧传统几乎垄断的局面，美国音乐剧从此掀开了它的新纪元，作品逐步趋于成熟。

四、音乐喜剧和柯汉的美国风格

1、英国的音乐喜剧

“音乐喜剧”（Musical Comedy）这一名称最早应用于英国，在19世纪末，社会生活节奏和公众心理节奏逐渐加快，人们对慢条斯理的轻喜剧风格渐渐失去热情，导致剧场票房收入惨淡，剧院老板亏本。在英国伦敦，一位剧院经理乔治·爱德华兹（George Edwardes）于1892年10月尝试性地在自己经营的剧院推出一部“音乐滑稽剧”《城里》，其中充满了插科打诨的滑稽表演和新鲜活泼的歌舞节目。该剧出台后大受青睐，大喜之余，爱德华兹于次年又推出一部融戏剧、音乐、歌舞于一体的《快活姑娘》（A Gaiety Girl）,并且第一次使用了“音乐喜剧” （Musical Comedy）这一称谓。该剧富有幽默情趣和戏剧色彩，加之其通俗易懂的音乐，引起了轰动，取得了可观的票房业绩。爱德华兹的空前成功，引得伦敦不少剧院老板的群起效法，争相推出形形色色的音乐喜剧。从此，音乐喜剧便成为伦敦乃至整个英国最为走红的舞台艺术，其后不久，它们便登上美国舞台。

2、美国的音乐喜剧

早在19世纪70年代，美国就有类似英国音乐喜剧这一舞台艺术形式流行于纽约社会中下层，只是当时美国称之为“音乐闹剧”（Musical Farce-Comedy）。使音乐闹剧进一步发展的是爱德华·哈里刚（Edward Harrigan）和托尼·哈特（Tony Hart），他们于1879年到1884年在百老汇合力创作了一系列的音乐闹剧，其中《卫队之舞》（The Mulligan Guards Ball 1879）和《热望》（Cordelia’s Aspirations 1883）在中下层社会极为流行。表演既保留了滑稽秀和杂耍秀的一些幽默形式，又在剧情方面有所发展，深入关注社会，但却总以诙谐的形式来表现，在这里更多的是对各种人生状况的同情而不是尖刻的批评。歌曲创作也有鲜明的美国色彩，但歌曲和情节总是很难对应，采用旧曲子填入新词是常事。到了1896年，英国爱德华兹制作的《艺伎》（The Geisha）以“音乐喜剧”之名进入美国并引起轰动后，美国人便用这一术语来指称疏离欧洲歌剧传统，具有美国特色的美国歌舞剧，它也包括上面提到的音乐闹剧。

这时期美国音乐喜剧已具备了基本的剧情，不只是片段式的歌舞与闹剧，但其情节与人物多不够深刻。在此类作品里“叙事”并非歌舞的目的，只是歌舞的借口，用“男生配女生”（boy meets girl）的公式，并将美国梦、灰姑娘神话的各种元素交错运用，在简单的剧情中穿插各种歌舞花招，形成一种固定的类型典范。就其内容和形式而言，表面看起来似乎与爱德华兹的《快活姑娘》如出一辙，甚至连名称也直接照抄英国人发明的“音乐喜剧”。实际上，就其内在精神而言,由于在艺术结构内包容了大量美国本土文化的基因，故而较之美国音乐喜剧更显其热烈火爆朝气蓬勃，尤其是它的音乐和舞蹈，充满了野性和活力、动感十足。这种文化精神蕴含的冲击力和内在气韵的震撼力正是美国音乐喜剧异于英国音乐喜剧的根本标志。

3、柯汉的美国风格

当音乐喜剧发展到乔治·M·柯汉（George M Cohan）就不再过多专注于笑闹梦幻剧情，而有了更严肃的主题。他选择了一条更戏剧化和平民化的探索路线，强调戏剧发展线索的完整性和连贯性，强调故事有头有尾，在内容上摒弃童话的剧情，而将戏剧主人公定位于普通平民和日常生活的小人物，以更贴近一般老百姓的生活情趣。同时，他的剧作又具有强烈的爱国主义，坚持要用美国式的音乐表现美国人、美国生活和美国社会。1904年柯汉给百老汇自编自导自演《小约翰·琼斯》（Little Johnny Jones），并凭此剧一举成名，进而横扫整个纽约，此后二十年间，共写出21部剧作，近500首歌曲。柯汉的作品形式是19世纪的歌舞杂剧和真正的美国音乐剧之间连接的桥梁，是音乐剧现代化进程的重要环节。在他的作品中，去除了基于英国和德国古老模式中的优雅情调，顺利地创造出符合快速运动变化的纽约生活的现代形式，柯汉的歌曲，虽然传唱到今天的并不多，但他在当时启迪了一代音乐剧作者，他对美国精神的艺术阐发和颂扬也感染了一代观众。越来越多艺术家意识到美国精神业已成熟，正迫切寻求它自身独特的表达方式。

五、音乐剧的成形

在20世纪第一个25年中，经过一批艺术家们的努力，美国音乐剧已逐步摆脱英国音乐喜剧的影响，完成从歌舞杂剧向真正美国式音乐剧的转变。美国音乐剧一方面接受欧洲不同风格的轻喜歌剧，甚至是在歌厅舞榭表演的歌舞杂剧的影响；另一方面也吸收了当时新兴的流行音乐和拉格泰姆、布鲁斯等因素。经过数十年的摸索和本土实践，正反两方面的经验积累已到相当程度，无论是社会公众、文化商人还是艺术家和音乐剧自身，都是在等待和呼唤着音乐剧大师与着作的出现。

1927年由小哈默斯坦（Oscar Hammerstein II）编剧、作词，吉罗姆·科恩（Jerome Kern）作曲的《演艺船》(Show Boat)在纽约百老汇首演，该剧被认为是美国音乐剧史上第一座里程碑。从音乐剧的角度来说，《演艺船》是上面提到的各种音乐舞台形式的融合。《演艺船》的故事产生于充满神秘与浪漫色彩的密西西比河，远离百老汇观众的生活经验，多少有小歌剧的味道；歌舞大王齐格飞尔德参与全剧制作也使该剧透露出富丽秀的雍容华贵；拉格泰姆和爵士乐的运用说明黑人音乐已经是杰出剧作不可缺少的成分；最后，从女主角成为明星并与男主角团圆等情节中不难发现音乐喜剧的影响。各种音乐舞台形式和各种音乐元素一起登上《演艺船》，这代表着以往的道路告一段落，并预示着新航程即将展开。

结语

以上回顾早期音乐剧的发展历程，这是一个身份暧昧难明的时期，来自欧洲的各种音乐传统、娱乐杂剧和一些歌舞元素，它们相互影响、缠绕并融合生长。但大致说来这些娱乐传统可分为两大类：一类重剧情，一类重歌舞。重剧情的有产生于欧洲歌剧传统和在欧美都广泛流行的音乐喜剧。歌剧传统给后来的音乐剧带来了庄重典雅、浪漫主义化的成分，其内容多是表现古典神话或异域风味，而音乐喜剧则使音乐剧针对当前时事设计

⑩ 戏剧的种类

从艺术表现形式可以分为话剧、歌剧、舞剧、戏曲等：
话剧的特点是以对话为主要表现手段。对话必须是规范化的文学语言，要通俗易懂，便于观众接受，适于反映生活。歌剧是一种声乐和器乐综合而成的戏剧形式，所以也称歌剧为乐剧。有的歌剧只有歌唱，没有独白和对话，有的则是三者兼而有之。歌剧的唱词和音乐十分重要，歌词的语言应是诗的语言。舞剧是把舞蹈、音乐和戏剧结合在一起的戏剧艺术。它的特点是：剧情的发展、人物形象的塑造，主要靠演员的舞蹈动作（还有音乐语言）来表现的。

按篇幅长短分为独幕剧、多幕剧：
独幕剧是独成一幕的短剧。由于展示剧情受到严格的时间、场景等限制，要求结构紧凑，矛盾冲突的展开比较迅速，而情节的基本部分——开头、发展、高潮、结局却均应表现出来。多幕剧是大型的戏剧。容量大，故事情节复杂。由于它分幕分场，用能换幕表现时间的间隔和空间的转移，就可以把不便于在舞台上演出的事件转移到幕后，处理不同时间，不同空间的事件，反映更广阔的社会生活。

从内容、性质及美学范畴分，有悲剧、喜剧、正剧等：
悲剧最初在古希腊，是春天播种时为谢神而表演的山羊之歌，所以悲剧在希腊文中是“山羊之歌”的意思。最早的悲剧，主人公在命运支配下是无可逃脱的，常以失败和灭亡而告终。随着时代的发展变化，悲剧的概念有了根本的改变。如莎士比亚的悲剧人物则表现出理想与愿望和社会现实的矛盾是不可调和的。喜剧在古希腊，最初是秋季收获葡萄时为谢神而表演的狂欢歌舞，所以喜剧在希腊文中是“狂欢之歌”的意思。举行狂欢歌舞之时，领队者常要说些谐谑之词，引人发笑。所以喜剧的特点多以滑稽的形式来嘲笑、讽刺生活中的丑恶现象及一定人物性格中的缺点和弱点。鲁迅说，喜剧是“将那无价值的撕破给人看”。一般地说，喜剧的结局总是愉快的，圆满的。正剧则是介于悲剧和喜剧之间的类型。在戏剧文学中，正剧是大量的。社会生活在大多数情况下，并不单纯呈现为悲剧性的，或喜剧性的，而是有悲有喜，悲喜交织。它常常反映两种势力的自觉斗争，混合着悲喜成分，代表正义的一方最终取得胜利，结局是快乐的，人们就称之为正剧，或称为悲喜剧。

从题材的时代性来分，有历史剧和现代剧：
历史剧指取材于历史事件和历史人物的剧目。以真实的历史人物、历史事件为题材，经过作者艺术加工编写而成的戏剧作品历史剧的创作要对大量的历史资料进行分析、研究，在符合历史真实的基础上，选取具有典型意义的定于戏剧性的事件，并适当地运用想象、虚构给予丰富和补充，构成戏剧冲突，再现一定历史时期的社会生活面貌。现代戏剧主要指的是20世纪以来从西方传入的话剧、歌剧、舞剧等，话剧是主体，外国戏剧一般专指话剧