中国的写意怎么解释

1. 如何理解中国传统艺术的写意特征

这个问题……我试试粗浅的将自己的理解表达出来，字多勿怪。

理解写意，首先要理解粗笔与细笔（写意与工笔）之间的区别。单纯的去谈其中的一种，是茫然没有比对的。

工笔讲究的以线勾形，类形而艳色，要求的是精细密整，以纯粹的视觉角度去表现一种艺术美感。但由于其较长的绘制时间，相比而言更像是一种类似匠人般投入大量时间的水磨工夫，更甚者在于其过度的投入精力，所以颇为熬人。

而写意，无论是半工半写的小写意，还是粗狂泼墨的大写意，其本质与工笔的最大区别，就是在于意。在这里，对于写意中意的理解有三，心意笔意画意。

心意，讲究的是作者创作时自身投入的情感，也就是意抒于形，单纯从笔法上去观看，可以逐渐看出作者在绘作时那种一气呵成的快感。由此感受作者想要给予观者的创作欲望和心情。而工笔则由于之前提过的时间问题，所以并不能很好的表达渲染创作者的情感意图。很多时候看工笔，只是单纯的去享受一种精致的笔法和细腻的晕染，以及整洁干净的画面，当然还有艳丽的色彩这些东西。

笔意，工笔用笔大多是中锋或小毫，对于运笔只讲究工整整洁。但作为写意，尤其是大写意，对于笔的使用纯粹是随心所欲，收发自如。那么如果尝试用过毛笔，以茵染来说，会发现墨渍的晕染是很需要火候的，单纯的干笔或湿笔的组合，或者像工笔那样的水色赶开颜色，并不能很好的表达运笔所能体现的笔力和笔趣，那么谈笔意自然是残缺苍白的。

画意，指的是画中或人物或山水或花鸟所带来的情趣，譬如鱼虾相斗、钟馗捉鬼、远近成景的这些妙趣。直白些讲就是画活，将画中所表现的一切组构成一个完整的可以相互关联的、甚至于可以令人回味的一幅场景，也就是一静不如一动的道理。当然，关于这句话经常被人理解为工笔不如写意……因为很多时候，工笔的作者由于过度投入对形的讲究，而忽略了画的活性，久看无味，不如写意百看百味的感觉。
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上述这些单纯就理论而言是苍白的，因为写意对形的脱离，所以有了小写意，也因为工笔对形的拘泥，所以有了小写意。那么这些都是为了更好的体现作者自身的创作视角和意图。

但世事无绝对，不能说写意就没有颜色的跃动，诸如墨分五彩色子斑斓的追求一直都是存在的。而工笔也有脱形随动来求取形神兼备的艺术追求。

而我刚才所说的这些，都是一些粗浅的基础理解罢了，还是个人性质的。

2. 写意在文学详细的解释

中国画画法上可以分为工笔、水墨、写意和半工半写。
写意画俗称"粗笔"。要求通过简练概括的笔墨，着重描绘物象的意态神韵，精神内涵，而忽略所描写对象的外貌形态。一般认为，写意画的创始人是徐熙，后人评伦他的画落笔纵横，意不在似，是第一个将写意画法载于画史的人。写意画又可分为小写意和大写意。小写意多结合一些工笔的画法，工写结合，如南宋法常的花卉画；大写意则一路狂写，轻松洒脱， 如南宋梁楷的人物、"八大"的禽鸟、石涛的山水和近代的吴昌硕、齐白石等人的作品，笔墨酣畅，将写意画发挥到极致.

3. 如何理解中国传统文化的写意特征

理解写意，首先要理解粗笔与细笔（写意与工笔）之间的区别。单纯的去谈其中的一种，是茫然没有比对的。

工笔讲究的以线勾形，类形而艳色，要求的是精细密整，以纯粹的视觉角度去表现一种艺术美感。但由于其较长的绘制时间，相比而言更像是一种类似匠人般投入大量时间的水磨工夫，更甚者在于其过度的投入精力，所以颇为熬人。

而写意，无论是半工半写的小写意，还是粗狂泼墨的大写意，其本质与工笔的最大区别，就是在于意。在这里，对于写意中意的理解有三，心意笔意画意。

心意，讲究的是作者创作时自身投入的情感，也就是意抒于形，单纯从笔法上去观看，可以逐渐看出作者在绘作时那种一气呵成的快感。由此感受作者想要给予观者的创作欲望和心情。而工笔则由于之前提过的时间问题，所以并不能很好的表达渲染创作者的情感意图。很多时候看工笔，只是单纯的去享受一种精致的笔法和细腻的晕染，以及整洁干净的画面，当然还有艳丽的色彩这些东西。

笔意，工笔用笔大多是中锋或小毫，对于运笔只讲究工整整洁。但作为写意，尤其是大写意，对于笔的使用纯粹是随心所欲，收发自如。那么如果尝试用过毛笔，以茵染来说，会发现墨渍的晕染是很需要火候的，单纯的干笔或湿笔的组合，或者像工笔那样的水色赶开颜色，并不能很好的表达运笔所能体现的笔力和笔趣，那么谈笔意自然是残缺苍白的。

画意，指的是画中或人物或山水或花鸟所带来的情趣，譬如鱼虾相斗、钟馗捉鬼、远近成景的这些妙趣。直白些讲就是画活，将画中所表现的一切组构成一个完整的可以相互关联的、甚至于可以令人回味的一幅场景，也就是一静不如一动的道理。当然，关于这句话经常被人理解为工笔不如写意……因为很多时候，工笔的作者由于过度投入对形的讲究，而忽略了画的活性，久看无味，不如写意百看百味的感觉。

上述这些单纯就理论而言是苍白的，因为写意对形的脱离，所以有了小写意，也因为工笔对形的拘泥，所以有了小写意。那么这些都是为了更好的体现作者自身的创作视角和意图。

但世事无绝对，不能说写意就没有颜色的跃动，诸如墨分五彩色子斑斓的追求一直都是存在的。而工笔也有脱形随动来求取形神兼备的艺术追求。

4. 中国写意画的特点是什么中国写意画分哪几

中国写意画是特指以毛笔在生宣纸（任何的基材）上表达作者心境与绘画技法的表现。写意顾名思义乃画其意，不求其实，而是介于似与不似之间。写意可以分为大写意和小写意两种。

下面两种是大写意

5. 何谓中国画的写意精神

“写意精神”是绘画艺术自由表现和情感抒发的一种内在冲动和表现形式。中国的写意画能在世界艺术之林经久不衰，是因为它始终遵循主客观的统一，对自由的追求恰到好处，又不摒弃客观的制约，这和中国的人文关怀、中庸思想有关。我们说的“写意”绝不是写我们脑子里完全凭空生发之“意”，而是写“实”所引发之“意”，写“实”之意趣。“写意”要在主客观之间找到一个适合自己个性审美的“度”，这个“度”就是画家自己的个性与风格。
从整个世界范畴来看，中国水墨画是最具有“写意精神”的，且取得了很高的成就，继八大山人、黄宾虹、扬州八怪、石涛等写意大师之后，仍然能稳步向前，这与中国的传统哲学有着密切的关系。“写意精神”的实质就是在制约中张扬自由表现，强调主客观的辩证统一。离开鲜活的客观世界制约，中国绘画可能会无所依据，也就成了无本之木。
“写意”的本质到底是什么?难道绝对的自由就是“写意”的本质吗?西方现代主义把这个问题抬到一个高度，他们认为画家的绝对自由至高无上。但是，西方现代主义走过一百年后，人们总结它的得失：它所强调的那种个人“恣情纵意”的绝对自由精神，是否达到了我们追求的那种“写意精神”的典范高度?完全没有。西方现代主义画家那完全摆脱客观因素制约的自我张扬，得到的只是表面的自由，并没有使人类绘画艺术得到提升，反而更加低迷。实践告诉我们：“写意精神”的本质不单是自由，而是自由加制约，真情流露，有感而发，是主客观的辩证统一。只有遵循这个艺术规律，我们才有可能进入艺术表现的自由境界。
众所周知，西方美术也有很多绘画作品具有“写意”成分，欧洲绘画开始从“形而上”造型向“辩证造型”自由过渡，到印象派绘画，后印象主义时期，画家的自由表现精神有了更广阔的空间，发展到现代主义，画家不再平衡地表现主客观，而是无限夸大自由，逐渐削弱了客观因素制约的滋养与磨砺，绘画内容也就越来越苍白空泛。但是，不管怎样，西方绘画在内在精神上也是追求“写意”的，只不过他们没有明确的叫法而已。“写意”这个词是中国美术理论独有的，但“写意”的内容和精神却是所有绘画普遍存在的。
以上所述，从世界绘画大的范围中去探讨，对绘画的“写意精神”有更多的思考，加深对其本质的认识，应该有更高的学术起点和更宽的学术视野。这样我们才能对绘画“写意精神”的哲学本质有更深刻的认识，对中国水墨画“写意精神”也会有更透彻的理解。
当下，中国画家要有宽广的胸怀，在自尊、自信、自强发展自己绘画艺术的同时，也要认识到中国绘画的规律。任何绘画都不是完全与客观世界隔绝的封闭之物，它在本质上是人类追求自由，歌颂真善美的一种变现方式，只有全面认识问题，把中国绘画的独特表现规律放到世界绘画(人类绘画)的普遍规律中去比较，研究，发现，才能更好地认识自己，发展自己。

6. 什么是中国写意画

写意画（freehand brush work）即是用简练的笔法描绘景物。写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。用中锋侧锋逆锋来表达。

写意画是融诗、书画 、印为一体的艺术形式。

写意画是在长期的艺术实践中逐步形成的。其中文人参与绘画，对写意画的形成和发展起了积极的作用。相传唐代王维因其诗、画俱佳，故后人称他的画为"画中有诗，诗中有画"，他"一变勾斫之法"，创造了"水墨淡，笔意清润"的破墨山水。五代徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体"落墨法"。之后宋代文同兴"四君子"画风，明代林良开“院体”写意之新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。经八大山人,石涛,李鱓,吴昌硕,齐白石、张大千,潘天寿,汪亚尘的弟子汪德祖,安平义君等并,

南山乐山写意山水画

李苦禅,朱宣咸,李可染,范曾等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。

写意画主张神似。董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。何也？形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。”明代徐渭题画诗也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。”

写意画用意第一。当代书画家南山乐山认为：“李太白有诗云：雁引愁心去，山衔好月来。意境极妙。一个引去加上一个衔来，用意极其饱满。画面张力足矣。是故，因无万里之心，故无万里之画。是为用意。夫写意者，无意而写何为？故用意第一。故曰笔不到意到。笔断意连，意断神连。尝闻米南宫用笔八面出锋；八极拳曰，拳打八方极远之地。其理一也。故此，其绘画的内涵更注重文以载道、遗形写神，其形式上更讲究个性的笔情墨趣、诗书画印的配合。”

参考----网络·写意画

7. 到底什么是中国画的写意

简单点说工笔就是细致写实。 亦称“细笔”。与”写意”对称。中国画技法名。属于工整细致一类密体的画法。用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代沈铨的花鸟走兽画等。工笔画的技法有，描，分，染，罩， 所谓描指的是白描，画者分别用浓磨，淡磨瞄出底稿，分是指用磨色上色，用清水分蕴开来，表现出画面的层次，染和分是一个意思，只不过用的不再是磨色，而用彩色来分蕴画面，罩色指的是整体上色，比如整片叶子上的绿色。 写意 俗称“粗笔”。与“工笔”对称。中国画技法名。通过简练放纵的笔致着重表现描绘对象的意态风神的画法。 属于简略一类的画法。要求通过简练概括的笔墨，着重描绘物象的意态神韵，故名。如南宋梁楷、法常，明代陈淳、徐渭，清初朱耷等，均擅长此法。清代恽寿平说：“宋人谓能到古人不用心处，又曰写意画。两语最微，而又最能误人，不知如何用心，方到古人不用心处；不知如何用意，乃为写意。”宋代韩拙说：“用笔有简易而意全者，有巧密而精细者。”前者乃指“写意”。 在粤语中，有自由自在，无拘无束之意。

8. 中国画的写意是指什么

中国画的构图、笔法、色彩有别于西画，有自己独特的语言。它的术语叫做“写”，写形重在写意，写意的至高境界是传神，因此，“神韵”就成为中国画的法宝。

9. 解释写意

中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

中国画一般特点

要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

宋代以画梅花着名的华光和尚，法号仲仁，传为华光着作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，着有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。
"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。
中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则
中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。
题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

从写生到写意

国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

根据董其昌的记载，好多着名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

主题突出

明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

积累素材

文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

题材 体裁

题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

两个基本功

一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。